Ana Campos

Teatro da Rainha - Festival de Almada

2011-07-08T11:47:00.004+01:00

TNDMII

2011-07-06T21:06:00.000+01:00

Cornucópia

2011-07-04T22:41:00.002+01:00

TNDMII

2011-07-04T22:36:00.004+01:00

Teatro Aberto

2011-07-04T22:34:00.004+01:00

Cornucópia

2011-06-13T22:30:00.001+01:00

Teatro Nacional D. Maria II - Beloging

2011-06-11T14:21:00.003+01:00

Centro de Estudos de Teatro

2011-06-08T12:47:00.003+01:00

Theatro Club - Os Pobres

2011-06-01T19:02:00.000+01:00

TNDMII - Teatro Noh - Auto da Barca da Viagem

2011-05-31T09:54:00.000+01:00

Teatro Nacional D. Maria II

2011-05-17T21:46:00.002+01:00

Teatro da Rainha

2011-05-16T20:50:00.004+01:00

Companhia de Teatro de Almada

2011-05-15T12:51:00.000+01:00

Teatro Nacional D. Maria II

2011-05-13T21:01:00.000+01:00

Cornucópia

2011-05-13T20:58:00.000+01:00

TEATRO DA RAINHA

2011-05-09T19:42:00.000+01:00

MUSEU DO TEATRO - NOITE DOS MUSEUS

2011-05-07T15:01:00.002+01:00

TEATRO EXTREMO - SEMENTES

2011-05-07T14:56:00.003+01:00

2011-01-09T16:09:00.001Z

Fim de Citação

2010-11-19T14:28:00.003Z

A partir de textos de Beckett, Genet, Garcia Lorca, Calderón, Kleist, Luiza Neto Jorge, Schnitzler, Shakespeare, Tchekov, Pirandello, Heiner Müller e Louis Jouvet; encenação de Luís Miguel Cintra; cenário e figurinos de Cristina Reis e desenho de luz de Daniel Worm d‘Assumpção; com Dinis Gomes, Luis Lima Barreto, Luis Miguel Cintra e Sofia Marques. Pela Cornucópia, no Teatro do Bairro Alto, de 18 de Novembro a 12 de Dezembro.

Este prólogo, “lever de rideau”, advertência de Luis Miguel Cintra transforma-se perante os nossos olhos numa extraordinária e muito bela homenagem ao teatro, à sua magia, à capacidade de fazer sonhar. Assumindo o teatro como uma festa, no palco e na plateia, vemos passar perante os nossos olhos figuras do nosso imaginário mas que só podemos ver mediadas pela distância de um palco, a sevilhana e a enfermeira sexy, a dama misteriosa, La Liberté, a Morte e mesmo o Urso, figura de circo. A colagem de textos, transformada em diálogo do encenador com o decadente actor e a anotadora, permite ao público reconhecer alguns fragmentos mas resulta sobre tudo num conjunto coeso sobre a essência do teatro enquanto espectáculo colectivo, desde o elenco, passando pelo encenador, pelos técnicos, pelo público e pela crítica.

Talvez num momento de crise como o que atravessamos procurássemos nos palcos um teatro mas politico, interventivo, uma postura de transformação do estado das coisas e de denúncia das injustiças sociais, contudo essa atitude não a única que o teatro pode assumir. Ele é também o espaço de evasão por excelência da dureza do dia-a-dia, um espaço onde tudo é possível, onde os nossos sonhos são corporizados, onde até a morte é humana e os ursos se passeiam calmamente. O cenário, coerente, evoca o teatro, espelhos enormes reflectem as personagens tipificadas, uma simbólica bandeira elevada pela La Liberté desfaz-se nas extremidades como a nossa se vai desfazendo diariamente. Fim de citação é uma muito interessante proposta de reflexão sobre o que nos leva ao teatro, o que nele procuramos, porque nos pode transformar tanto.

Dia dos Prodígios

2010-09-27T11:58:00.005+01:00

De Lídia Jorge. Adaptação para teatro e encenação de Cucha Carvalheiro; assessoria artística de Graça P. Corrêa; cenário Ana Vaz; figurinos Maria Gonzaga; com Carlos Paulo, Cristina Cavalinhos, Diogo Morgado, Elisa Lisboa, Filomena Cautela, Hugo Franco, José Martins, Lucinda Loureiro, Luís Lucas, Maria Ana Filipe, Maria Emília Correia, Rogério Vieira, Teresa Faria, António Teixeira e Duarte Teixeira.

No interior algarvio, pouco antes da Revolução, uma aldeia vive fechada sobre o si mesma, crente num mundo imaginário, repleto de misticismo e superstição, tal como era também o Portugal de então. A partir da obra homónima de Lídia Jorge, Cucha Carvalheiro leva à cena esta adaptação do romance de 1980, dando vida a um conjunto muito realista de personagens ingénua e comicamente rústicas com José Pássaro Volante (Carlos Paulo) ou Jesuína Palha (Teresa Faria) entre muitas outras. Cada uma tem um traço distintivo como os seus simbólicos nomes e cada uma consegue concentrar em si a essência de todo o espectáculo, o realismo e o imaginário, o realismo mágico. Há uma intriga, uma cobra voadora, uma madrinha de guerra, um MFA, e há outros, mas não é tanto a narrativa que nos prende, mas sim a linguagem, uma variante algarvia cheia de particularidades e por vezes quase imperceptível ou extraordinariamente cómica. Fixamos também os quadros vivos que se constroem, imagens inspiradas em obras de Paula Rêgo, verdadeiros postais que nos ficam na memória.
O aspecto mais notável do espectáculo é, sem dúvida, o texto em si e algumas brilhantes interpretações como as de Teresa Faria ou de Carlos Paulo, entre outros, e os momentos que vão sendo construidos ao longo do espectáculo. Parece-me que o cenário teria a ganhar com uma maior definição dos espaços e uma opção mais clara pelo realismo pois a magia está perfeitamente enraizada nas crenças das personagens. Tanto as coreografias como a música estão perfeitamente articuladas com a essência do texto, aquele povo, aquela comunidade é individual e colectiva assim como os bailarinos o são no bailarico. Resulta daqui uma obra profundamente nacional, um espectáculo português sobre uma realidade que marcou Portugal profundamente até aos dias de hoje.
Resta-me referir que a visibilidade da sala do teatro da Trindade nas últimas filas é reduzida o que condiciona bastante a recepção do espectáculo.

Um Eléctrico Chamado Desejo

2010-09-11T00:10:00.005+01:00

De Tennessee Williams. Encenação de Diogo Infante; tradução Helena Briga Nogueira; cenografia de Catarina Amaro; figurinos de Maria Gonzaga; desenho de luz de Nuno Meira, sonoplastia de Rui Dâmaso, psicologia da performance de Pedro Almeida; assistente de encenação Isabel Rosa. Com Alexandra Lencastre, Albano Jerónimo, Lúcia Moniz, André Patrício, Estevão Antunes, José Neves, Marques D’Arede, Paula Moura, Pedro Laginha, Sofia Correia. No Teatro Nacional D. Maria II, em Lisboa, de 9 de Setembro a 31 de Outubro.

É uma tarefa difícil encenar Um eléctrico chamado desejo quando temos todos no nosso imaginário as fabulosas interpretações de Vivian Leigh e Marlon Brando na versão em cinema de Elia Kazan mas Diogo Infante fê-lo e fê-lo bem. A primeira imagem do espectáculo, uma mulher sozinha numa rua mal iluminada, lembra-nos imediatamente um quadro de Edward Hopper, talvez também pela representação da solidão extrema. Descobrimos depois um engenhoso palco giratório concebido por Catarina Amaro que nos permite deambular pelo exterior e interior daquela pequena casa onde Stanley Kowalski (Albano Jerónimo) e a sua mulher Stella (Lúcia Moniz) vivem as suas vidas até à chegada da irmã desta última e completa transformação que isso implica.

Apesar de desgastada na sua imagem pelas suas interpretações de mulher fatal e perversa na televisão, Alexandra Lencastre surpreende muito positivamente ao criar uma personagem em que acreditamos sem nos lembrarmos da actriz. Esta Blanche DuBois tem características próprias e consegue afastar-se dos fantasmas das actrizes que anteriormente a interpretaram. Ela é talvez demasiado louca desde o início. Albano Jerónimo também cria uma personagem consistente mas que se aproxima, parece-me demasiadamente da construção de Branco o que é perigoso. Lúcia Moniz não consegue de todo estar à altura do papel. A sua presença feminina e frágil não desperta o desejo que a devia unir ao marido, esse desejo que está presente em todo o texto e é o cerne da acção.
Tenho ainda de chamar a atenção para a perícia técnica exigida pelo jogo de luzes se nos lembrarmos que temos luzes em cena e que Blanche foge sistematicamente delas para não revelar a sua verdadeira idade. O guarda-roupa de Maria Gonzaga recria com beleza o glamour da personagem de Blanche e o próprio espírito da época.
Tennessee Williams, como já tive oportunidade de referir aqui várias vezes, é sem sombra de dúvida um dos meus dramaturgos de eleição e a encenação de obras fundamentais do teatro universal no nosso país um dos aspectos que mais me agrada na programação das principais salas de espectáculo mas que fica muitas vezes aquém em quantidade e qualidade do que seria desejável. Por estas razões agradou-me particularmente esta brilhante montagem e a notável prestação de Alexandra Lencastre.

Assinaturas Valiosas

2010-09-04T19:12:00.002+01:00

Até Setembro!

2010-08-12T10:00:00.000+01:00

Posters Teatro (6)

2010-08-11T11:00:00.003+01:00

Posters Teatro (5)

2010-08-09T11:00:00.001+01:00

Les Mariés de la Tour Eiffel - Jean Cocteau

2010-08-08T10:00:00.004+01:00

Posters Teatro (4)

2010-08-07T11:00:00.001+01:00

La Belle Epoque: Réjane, Sarah Bernhardt, Lucien Guitry (father of Sacha)

2010-08-06T11:00:00.002+01:00

Posters Teatro (3)

2010-08-05T11:00:00.001+01:00

Teatralidade - Yves Klein (1960)

2010-08-04T18:56:00.001+01:00

Posters Teatro (2)

2010-08-02T10:00:00.001+01:00

Actores Inesquecíveis

2010-08-01T16:01:00.001+01:00

Posters Teatro (1)

2010-07-30T16:24:00.002+01:00

Sarah Bernhardt - Phèdre (Racine)

2010-07-27T16:44:00.002+01:00

Crítica – Yourcenar/ Cavafy

2010-07-19T15:56:00.004+01:00

De Marguerite Yourcenar e Constantain Cavafy; encenação de Jean-Claude Feugnet, Les Visiteurs du Soir; com Charlotte Rampling, Polydoros Vogiatzis e Varvara Gyra (guitarra); cenários e figurinos de Lambert Wilson; desenho de luz de Christophe Pommier; som de Ricard Cleret; tradução para legendagem de Luís Lima Barreto. 17 e 18 de Julho no Teattro Nacional D. Maria II- Sala Garrett.

Não encerrou da melhor forma esta edição do Festival de Almada. O habitual convívio na esplanada de Almada, antes de se assistir a uma última representação, este ano foi substituído pelas tábuas do Nacional, enquanto do lado de lá do rio, no Palco Grande, se preparava o Concerto Sinfónico. Em Lisboa, no Teatro Nacional D. Maria II, imensas pessoas vieram ver Charlotte Rampling.
Yourcenar/ Cavafy ,que prometia ser um encontro interessante entre dois dos maiores escritores do século passado (Yourcenar foi a primeira tradutora para francês do poeta grego), mais não foi que uma leitura bilingue, em francês e grego, de textos dos dois escritores, enquanto Rampling e Polydoros Vogiatzis se iam sentando aqui e acolá nas várias cadeiras dispostas no palco sendo a sua leitura ocasionalmente interrompida pela guitarra de Gyra. O espectáculo dividia-se em quatro partes correspondendo cada uma a um tema, A idade e a velhice; O Amor; História, política e sociedade e A nostalgia e a morte.

Este desencanto de termos à nossa frente uma grande actriz e textos de enormes autores e ainda assim não termos espectáculo foi agravado pela falha técnica que dessincronizou várias vezes as legendas das falas dos actores e ainda pelo desconhecimento em profundidade de vários dos textos. Se o espectáculo valeu foi pela musicalidade do grego completamente inteligível mas muito melódico e pela sobriedade da leitura em francês perfeito de Rampling, sem altos nem baixos, nem mostras de cansaço.
Lamento portanto que uma leitura pública, género específico, com um público próprio e com inquestionável valor artístico seja entregue ao público como um espectáculo que não é de forma alguma.

Crítica – Dança da Morte/ Dança de la Muerte

2010-07-06T23:30:00.001+01:00

A partir do “Códice de El Escorial y edición sevillana de 1520” e de fragmentos de autos vicentinos. Dramaturgia, direcção e encenação de Ana Zamora; com Luis Miguel Cintra, Sofia Marques, Elena Rayos; interpretação musical de Eva Jornet, Juan Ramón Lara, Isabel Zamora; arranjos e direcção musical de Alicia Lázaro; coreografia Javier García Ávila, cenografia e apoio para manipulação de marionetas de David Franco; figurinos de Deborah Macías; desenho e construção de adereços e Ricardo Vergne. Integrado no Festival de Teatro de Almada, o espectáculo terá uma primeira apresentação em Portugal de 6 a 13 de Julho no Teatro do Bairro Alto, em Lisboa.

Esta co-produção entre a Cornucópia e a Não D’amores, companhia dirigida por Ana Zamora que se tem dedicado ao trabalho sobre o teatro primitivo, na sua vertente mais lírica, utilizando textos e música antigas da Península e ainda manifestações artísticas tradicionais como, por exemplo, o teatro de marionetas, traz a Lisboa um espectáculo bilingue de uma beleza extraordinária.
A Dança da Morte, muito popular durante a Idade Média, devido, talvez, à convivência diária com epidemias que dizimavam a população em larga escala, assenta num diálogo entre uma personificação da morte - neste espectáculo foi utilizada uma caveira que os actores manipulam como se de uma marioneta se tratasse, cobrindo-a com véus e chapéus, colocando-a em diversos planos, a diversos níveis, - e os mortais que a ela não conseguem escapar. Para a construção destes diálogos foram utilizados o “códice de El Escorial” e fragmentos da “Barca do Inferno”, da “Barca do Purgatório” e da “Barca da Gloria”, de “Quem tem farelos?”, de “O Velho da Horta”, da “Farsa dos Físicos”, da “Comedia do Viuvo” e da “Romagem dos Agravados” de Gil Vicente e ainda textos anónimos como “Diálogo entre el viejo, el amor y la mujer hermosa” e textos líricos de Cancioneiros dos séculos XV e XVI, nas versões originais o que resulta num texto onde se alterna entre o castelhano e o português.

O espectáculo prima acima de todo pelo modo como consegue criar um espírito, um sentimento de uma época, uma pratica teatral historicamente marcada mas lembrar-nos simultaneamente que a morte é e será sempre um tema inevitavelmente actual. Para a criação desse ambiente contribuem a construção de toda uma nova plateia semicircular, onde o público sente que vai ser espectador e portanto ter um papel numa celebração muito próxima fisicamente, e, ainda, o uso de um cenário móvel que divide o espectáculo em várias partes. Esse cenário, todo em madeira tal como a plateia, colocado ao fundo à direita e à esquerda, apresenta-nos dois varandins. Num deles existem instrumentos musicais que são utilizados em cena e o outro aparece como uma varanda sobre a qual as personagens se debruçam. Este cenário inteligentemente concebido, será completamente transformado no final do espectáculo numa outra construção que dá um novo sentido ao que assistimos. Ao centro da cena, sobre um chão de xadrez preto e branco as personagens e os fabulosos cantores dançam a sua dança da morte, dialogam, cantam. Plasticamente muito bem conseguidos são os adereços de Ricardo Vergne. Fabulosos chapéus de feltro colocados no chão e iluminados individualmente serão depois utilizados para criar as diferentes personagens. Digna de nota, como podia deixar de ser, é a interpretação de Luis Miguel Cintra, tanto como actor como enquanto cantor. Esta vertente musical do espectáculo e as soberbas vozes dos intérpretes, com uma nota especial para Juan Ramón Lara, são um dos elementos que mais contribui para a criação do ambiente medieval de desafio da morte.
O espectáculo, embora seja uma obra muito bem conseguida, exige que o espectador tenha informação adicional para além do que assiste em cena, isto porque nem todos os textos são conhecidos do público nem sequer facilmente compreensíveis e ainda porque a dança da morte evoca uma manifestação teatral concreta que o espectador pode não conhecer e não compreender enquanto tal.

Film - Beckett - Buster Keaton (1965)

2010-06-13T19:34:00.002+01:00

Film - Beckett - Buster Keaton

2010-06-13T19:32:00.001+01:00

Film - Beckett - Buster Keanton

2010-06-13T19:29:00.002+01:00

Teatro Infernal

2010-06-11T22:52:00.001+01:00

Crítica – O rei está a morrer

2010-06-10T17:19:00.004+01:00

De Eugène Ionesco. Versão cénica e encenação de João Mota; interpretação de Carlos Paulo, Tânia Alves, Ana Lúcia Palminha, Rui Neto, Mia Farr e Alexandre Lopes. No Teatro da Comuna, em Lisboa, de 1 de Maio a 27 de Junho.

Já por mais de uma vez tive a oportunidade de manifestar aqui o meu prazer em poder assistir em Lisboa a encenações de grandes textos da dramaturgia universal. É o caso desta obra de Ionesco apresentada numa encenação que revela a total maturidade da Comuna.
O rei está a morrer coloca-nos perante a ilusão de poder que a nossa transitória passagem pela vida nos dá. O rei agonizante, muito credivelmente interpretado por Carlos Paulo, desprende-se da vida perante os nossos olhos impotentes e a incapacidade de ser ajudado por aqueles que o rodeiam, mesmo pela Rainha Margarida que o ama. Esta longa agonia, o público sabe logo desde o inicio que o rei morrerá daí a uma hora e meia, tempo de duração do espectáculo, permite-nos pensar também sobre as formas de domínio sobre os outros que o poder acarreta, domínio esse facilmente subvertido quando o poder esmorece. Através do poder da linguagem a Rainha Maria e o bizarro médico da corte vão com palavras arrastar o rei para a morte, usurpar-lhe o poder, possui-lo no corpo e na alma apesar de toda a resistência que este oferece. As inusitadas explicações do que se passa em cena pelo escudeiro equilibram no texto a tragicidade com um humor negro.

O cenário circular permite às personagens mover-se em círculos concêntricos fechados pelo público, metáfora da nossa incapacidade de ver além do que o nosso caminho na vida nos permite. Aqui e além uma porta para o exterior de onde entra uma chocante luz aparentemente natural que contrasta vivamente com o negrume interior, mas mesmo essa luz desaparecerá à medida que a vida abandona o velho rei e o negro véu da morte cobre tudo e todos.
Lindíssimos figurinos de Carlos Paulo que nos brindou com uma notável interpretação. Faltou ao espectáculo a inclusão na folha de sala de alguma informação útil sobre o projecto.

A Rainha da Beleza de Leenane – Crítica

2010-05-01T16:34:00.002+01:00

De Martin McDonagh. Tradução de Paulo Eduardo de Carvalho, encenação de Núria Mencía, interpretação de Almendo Gonçalves, Elisa Lisboa, José Mata e Natália Luíza. Produção Teatro Meridional. De 22 de Abril a 30 de Maio no Teatro Meridional em Lisboa.

Terra que parece irremediavelmente condenada à infelicidade Leenane, em Connemara na Irlanda, exterioriza essa infelicidade na chuva incessante. Dentro de uma mesma casa, vão coexistir uma mãe (Elisa Lisboa), envelhecida, castradora mas quase incapaz, e a sua filha Maureen Folan (Natália Luíza), mulher na casa dos quarentas anos, cujo passado marcado por uma crise psiquiátrica a obriga a viver com a mãe que odeia mas de quem está ligada por perversos laços afectivos. Esta solidão partilhada, esta ausência de perspectivas é apenas atenuada pela esperança num amor redentor, que será prometido por Pato Dooley (Almeno Gonçalves), também ele angustiado com a solidão da sua vida e humilhado pela necessidade de trabalhar em Inglaterra, país mais rico e com maiores oportunidades. A miséria emocional destas personagens, entrecortada por alguns momentos de humor, podia ser facilmente solucionada não fossem as tensões ocultas, a necessidade mesquinha, egoísta e fundamentalmente pouco inteligente de exercício de poder sobre os outros. Estes ingredientes compõem um espectáculo que nos conduz a perscrutação da alma humana e da alma irlandesa em particular.

A ousada opção cénica de Núria Mencía de colocar chuva em cena para além da grande beleza plástica que cria substituiu mil palavras sobre o depressivo clima da Irlanda. O cenário interior da casa, uma cozinha modesta, repleta de elementos nossos familiares como a mesa de fórmica, ou o rádio que se cala com um murro é verosímil mas suficientemente fechado sobre sim mesmo para nos mostrar que nada vindo do exterior tem força suficiente para travar as forças em conflito naquele espaço. Nem o amor.
Outro ponto alto do espectáculo é o equilíbrio entre os desempenhos de Natáliza Luíza, Elisa Lisboa, Almeno Gonçalves e ainda que num papel menor, José Mata. As personagens concebidas por Martin MacDonagh a que deram vida são de uma interioridade tão complexa e tão e atormentada que se tornam reais aos nosso olhos.
Este é sem dúvida um texto importante que o Teatro Meridional leva à cena afastando-se do seu repertório habitual. A linguagem é um elemento de uma importância fundamental neste espectáculo, fica apenas o lamentar de as oscilações entre o inglês e o irlandês do texto original sejam impossíveis de ser traduzidas para português.

Foder e ir às compras - crítica

2010-04-28T16:44:00.004+01:00

Texto de Mark Ravenhill; tradução de Ana Bigotte Vieira; direcção artística e encenação de Gonçalo Amorim, interpretação de Carla Maciel, Carloto Cotta, Pedro Carmo, Pedro Gil e Romeu Costa. Companhia Primeiros Sintomas. De 29 de Abril a 15 de Maio no Teatro Municipal S. Luiz em Lisboa.

Prémio da Crítica da Associação Portuguesa de Críticos de Teatro em 2007, este espectáculo, agora reposto no palco do Teatro S. Luiz, é demasiado cru e actual para aquela sala. O espectáculo exigiu, portanto, uma reformulação da cena, colocando a plateia no palco e a cena de costas para a sala do teatro. Esta inversão inicial bem como os cenários clean de cartão branco, da autoria de Rita Abreu, prepara-nos para qualquer coisa de diferente do teatro mais convencional.

E de facto assim é. Depois de uma primeira parte irritantemente oca em que Mark, um toxicodependente em recuperação, tenta viver com Robbie e Lulu sem criar dependências afectivas, um homem gay e uma mulher que comprou no supermercado para o ajudarem. A segunda parte confere um novo fôlego ao espectáculo criando uma significação para toda a caótica linha de acção. As relações sexuais sem dependências afectivas, como se o sexo não pudesse ser ele próprio uma dependência, a carência afectiva levada ao extremo das relações de poder sobre os outros, os jogos sinistros, as fantasias reprimidas, o mundo gay underground, a droga são temas sugeridos por esta peça. No fundo, o espectáculo questiona o que sustenta a vida fútil tão defendida pela sociedade de consumo em que os problemas se resolvem com uma visita a uma loja e as desilusões amorosas com a ausência de laços afectivos. São as pulsões inconscientes, os motivos profundos da mente humana que são postos a nu, por vezes de forma brutal, e com algumas interpretações dignas de nota como as de Carloto Cotta e de Romeu Costa.

Este desequilibro entre as duas partes do espectáculo e consequente vacuidade da primeira parte são, a meu ver, o ponto mais fraco da encenação. O recuso a um jogo mais equilibrado entre a pertinência e profundidade das questões abordadas e a aparente superficialidade de todo aquele universo de filosofia de capa de revista valorizaria a globalidade do espectáculo e tornaria mais eficaz a mensagem a ele subjacente.

Miserere, o Auto da Alma e outros textos de Gil Vicente

2010-04-14T18:50:00.004+01:00

Colagem de textos e encenação de Luís Miguel Cintra; cenário e figurinos Cristina Reis, com Dinis Gomes, Duarte Guimarães, João Grosso, José Airosa, José Manuel Mendes, Luís Lima Barreto, Luis Miguel Cintra, Ricardo Aibéo, Rita Blanco, Sofia Marques e Vítor Andrade. Música, entre outros, de Eric Ramos. 15 de Abril a 23 de Maio, às 21.30, Dom às 16 na Sala Garrett do Teatro Nacional D. Maria II.

A convite do Teatro Nacional e consciente da responsabilidade que este teatro tem na divulgação dos textos do repertório nacional, Luis Miguel Cintra propõe uma leitura que se deseja polémica do Auto da Alma de Gil Vicente, leitura essa que passa também pela colagem de outros textos do autor, como trechos do “Auto da Lusitânia”, do “Breve Sumário da História de Deus” e da “Carta a D. João III” sobre o tremor de terra de 1531. No Auto, como todos sabem, a Alma chega a uma estalagem onde lhe é servida uma refeição espiritual. Luis Miguel Cintra pega nesta ideia esmagadora da religião como forma de asfixiar e manipular a individualidade de cada um, recriando o texto numa estranha sala enorme mas sem janelas, sugerindo a cozinha de um hospital psiquiátrico, um espaço de alienação onde a Alma (Rita Blanco) é tentada fisicamente por uma série de homens entre os quais se encontra um padre a que o encenador chama um «homem muito senhor de si», vigiada sempre pela castradora enfermeira (Sofia Marques).

Para Luis Miguel Cintra este espectáculo tenta reler Gil Vicente num novo contexto que problematiza a questão da Fé e da Igreja e do seu papel na estruturação do indivíduo. Esta Alma, penteada de forma tristemente parecida com a cantora Amy Winehouse, tem corpo mas não tem culpa, nem consciência, nem remorso, é por isso mesmo conduzida simultaneamente num processo de culpabilização e simultânea salvação moral pela Igreja, terminando numa refeição espiritual forçada. É esta força que os homens que constroem a Igreja sempre usaram sobre os outros homens que o encenador pretende discutir.
A intenção de problematizar questões essenciais da sociedade através de textos clássicos é muito pertinente e louvável, sem qualquer dúvida, e nada surpreendente vinda do encenador em questão. Contudo o desfasamento enorme entre a linguagem das personagens, pelas quais foi distribuído o texto vicentino sem respeito pelas personagens originais, e o português dominado pelo público não especializado, público-alvo, julgo, de um teatro que quer transformar alguma coisa, as enigmáticas opções cénicas, como a presença de um lagarto enorme em cena bem como de um pianista de costas evocando o músico americano Eric Ramos que cedeu gratuitamente algumas músicas suas ao espectáculo, os figurinos com significações bizarras, como o do padre, os dos militares, e o vestido de toilette pós-moderna da Alma para já não falar de uma enfermeira que compõe as ligas durante o espectáculo, bem como a nudez desnecessária de Rita Blanco fazem com que todo o espectáculo morra à boca de cena sem conseguir chegar ao espectador. É certo que a companhia de Luis Miguel Cintra tem um público fiel, é verdade que o teatro pode dar-se ao direito de, como forma expressão absolutamente livre que é, ser elitista e erudito, mas a questão que se me coloca é se não seria artística e politicamente muito mais eficaz uma encenação que chegasse ao público sem lhe passar atestados de ignorância. Julgo, como sempre defendi, que a dádiva artística que é a apresentação pública de um espectáculo só faz sentido quando, do outro lado, existe um espectador a quem mensagem chegue e que se possa gerar a partir daí um diálogo plástico, intelectual ou outro, quanto mais não seja a através da adesão ou não de espectador ao que assistiu. Não me parece que este espectáculo consiga chegar até aí.

Os Mortos Viajam de Metro, ópera com prelúdio e um acto – Crítica

2010-04-09T10:30:00.002+01:00

Nos dias 9, 10 e 11 de Abril o Teatro Municipal S. Luiz, em co-produção com o Teatro Nacional de São Carlos, apresenta a ópera Os mortos viajam de metro, uma composição de Hugo Ribeiro com libreto de Aramando Nascimento Rosa, encenação de Paulo Matos e a Orquestra sinfónica Portuguesa dirigida por João Paulo Santos, interpretação de Madalena Boléo, Margarida Marecos, Raquel Alão, Sandra Medeiros, Sónia Alcobaça e Susana Teixeira.

O ciclo Novos x9 promovido pelo teatro S. Luiz integra também o projecto/ concurso Ópera em Criação – Óperas Curtas. Em 2008, o vencedor foi Hugo Ribeiro. Na sequência desse prémio, o compositor foi convidado a compor a sua primeira ópera que é agora levada à cena no palco do S. Luiz e que é uma pequena pérola de composição artística.
O libreto de Armando Nascimento Rosa baseia-se numa ideia original e muito estimulante. Quatro famosas escritoras suicidas, Florbela Espanca (Madalena Boléo), Virginia Wolf (Margarida Marecos), Sylvia Plath (Sandra Medeiros) e Sarah Kane (Sónia Alcobaça) encontram-se numa fantasmagórica estação de metro onde uma jovem (Raquel Alão) insiste em se suicidar repetidamente. No meio deste lúgubre cenário surge a figura incomparável de Agatha Chirstie (Susana Teixeira) que resolve o mistério da identidade da jovem suicida ao conseguir desvendar o nome daquela estação de metro. Só o libreto seria já de si razão suficiente para se apreciar este trabalho, mas a sua fina articulação com uma partitura exclusivamente concebida para vozes femininas e com os restantes elementos tornam inesquecível este espectáculo. A encenação belíssima de Paulo Matos constrói-se sobre um cenário onde grades pilares de vidro sujos de fuligem esverdeada vão subindo e descendo e por onde circulam estes fantasmas femininos, caracterizados de foram a serem facilmente reconhecidos pelo público com um inesquecível guarda-roupa de Bruno Guerra também responsável pela cenografia. Os trajes de época cobertos de tule branco conciliam a grande feminilidade destas frágeis mulheres com a sua condição de fantasmas.
Esta construção colectiva é prejudicada por dois factores, por um lado o desequilíbrio entre as qualidades histriónicas das diferentes cantoras líricas, e, por outro, o dispensável final durante o qual Paulo Matos sobrepõe numa grande tela semi-transparente uma quantidade enorme de material iconográfico sobre escritoras suicidas e outras mulheres suicidas da História Universal que, não deixando de ser útil, poderia perfeitamente integrar o programa do espectáculo não constituindo assim uma cauda demasiado pesada para tão diáfana ópera.

Ciclo Novos x9 Novos Actores - crítica

2010-04-04T17:41:00.002+01:00

No passado dia 27 de Março, dia Mundial do teatro, o Teatro S. Luiz apresentou, no Jardim de Inverno, mais uma mostra do ciclo de Novos x9 Novos Actores que tem como objectivo revelar novos talentos em diversas áreas de criação artística.
Depois do público que ia chegando assistir a leituras pelos alunos da ESTC – Escola Superior de Teatro e Cinema coordenados por Maria João Vicente em diferentes espaços do teatro, foram apresentadas duas encenações pouco consistentes. Foram elas Sócrates e Íon a partir de Íon de Platão, com Elsa Oliveira e Hugo Tourita, e Amor e Ódio, com texto de José Lobato, apoio à encenação de Luís Lourenço e interpretação de Miriam Santos, Norberto Paulo e Guilherme Barroso. Em Sócrates e Íon nem todo empenho de Elsa Oliveira chegou para compensar a debilidade de um texto que procurava actualizar a importantíssima reflexão sobre a representação de Íon mas obtendo apenas como resultado final a fragmentação do texto original sem se conseguir a reflexão pretendida que se diluía entre um Íon apatetado e um jogo de cena desorganizado. Em Amor e Ódio a complexidade da intriga policial não só não passou claramente para o público como não conseguiu criar qualquer tipo de suspense tornando pouco convincentes as interpretações.
Depois do intervalo, fomos muito agradavelmente surpreendidos por Do ensaio à película, pelos alunos do 3º ano da ACT-Escola de actores, a partir do filme de Marie Brand Nice Strip Bar c. Após assistirmos a pequenas sugestões de narrativas em cena os mesmos diálogos surgiam na grade tela ao fundo do palco mas submetidos agora à linguagem do cinema, recorrendo a guarda-roupa, cenários, adereços e uma produção muito diferente da do palco, onde tudo era apenas sugerido menos a energia dos actores à nossa frente. Esta oposição entre a linguagem do cinema e a do teatro e as relações possíveis entre elas é particularmente interessante e deu ao público naqueles minutos, ainda que tudo tivesse sido criado para especificamente para aquele espectáculo, um objecto de análise a partir do qual se pode dar continuidade a esse debate, o que é de louvar.

2º Aniversário

2010-03-27T00:00:00.000Z

Às vezes quase me acontecem coisas boas quando me ponho a falar sozinho – Crítica

2010-03-07T20:42:00.006Z

De Rui Pina Coelho, interpretação de Carlos Marques, concepção artística de Rui Pina Coelho e Carlos Marques, paisagem sonora de João Bastos e Carlos Marques, direcção técnica de João Bastos, apoio ao movimento de Ana Coimbra Oliveira, co-produção Trimagisto Teatro da Garagem. 24 a 28 de Fevereiro de 2010 no Teatro Taborda.

Seguindo o mote dado por Samuel Beckett, o Teatro da Garagem tem vindo a levar a cabo anualmente o ciclo Try Better. Fail Better com o intuíto de dar visibilidade a novos e emergentes projectos sempre dentro de uma procura de aperfeiçoamento artístico por tentativa e erro.
Este ano, o ciclo abriu com Às vezes quase me acontecem coisas boas quando me ponho a falar sozinho de Rui Pina Coelho. Um homem simples do campo na cidade, vê coisas, pensa em coisas e fala sobre elas, conta histórias, palavras que se organizam em sentidos por momentos e que quase são representadas. O actor que dá voz e corpo a este homem é Carlos Marques, conseguindo envolver-nos nesta proposta de ouvir histórias que por momentos ganham vida. Em palco, um homem, um gravador que também conta histórias e pouco mais que uma banana é o suficiente para durante o tempo do espectáculo também nós vermos a cidade de fora, como se não a compreendessemos verdadeiramente.

Este espectáculo é um projecto que tem vindo a ser apresentado e reformulado desde uma primeira leitura pública em 2008 até esta apresentação, passando, por exemplo, pela versão mínima proposta em Janeiro de 2009, no “Ciclo Novos Actores ‘09”, promovido pelo São Luiz Teatro Nacional e sobre a qual tive oportuinidade de escrever aqui.
De acordo com os criadores, o espectáculo “pretende experimentar o cruzamento entre as linguagens dramática e narrativa, fazendo conviver os recursos específicos da actividade do contador de histórias e do actor.” Parece-me que a evolução do projecto poderia passar, ganhando com isso, pela cada vez maior elaboração das pequenas narrativas como a das hilariantes freiras no autocarro, dando-lhes corpo, uma maior automonomia e construção sem perder a espontaneidade das histórias contadas às pessoas, pessoas que estão ali ao pé e com as quais Carlos Marques cria uma grande cumplicidade.

Crítica – Não se ganha, não se paga.

2010-02-27T11:00:00.001Z

De Dario Fo, tradução de José Colaço Barreiros, encenação e dramaturgia Maria Emília Correia, cenografia de Rui Francisco, figurinista José António Tenente, música original de Tiago Derriça, desenho de luz de Celestino Verdades, adereços de José Pedro Alves, banda sonora de Hugo de Sousa, com Cristina Cavalinhos, Lucinda Loureiro, Luís Gaspar, Horácio Manuel, Rogério Vieira e os músicos Irina Brazhnik e Ricardo Torres. No Teatro da Trindade, Lisboa.

Num momento histórico em que as conquistas dos direitos dos trabalhadores que pareciam garantidas estão a ser sistemática e impiedosamente violadas por toda a Europa, este texto de Dario Fo, escrito há 34 anos e actualizado em 2008, surge com uma extrema actualidade e pertinência.
Sou adepta incondicional da arte que procura uma directa intervenção social e este texto é um exemplo acabado disso mesmo e uma feliz escolha de Maria Emília Correia. Na peça, a trágica situação de dois casais constituídos por dois operários, João e Luís (Luís Gaspar e Horácio Manuel), de uma fábrica que se vai mudar para a Polónia e as suas mulheres, Antónia e Margarida (Cristina Cavalinhos e Lucinda Loureiro), que entram no “Movimento não se ganha, não se paga” trazendo para casa os mais disparatados mantimentos que encontraram no supermercado e colocando as suas famílias em risco quando a polícia começa a fazer rusgas em todas as casas, é o pretexto para através de momentos cómicos alertar as consciências para o violar dos seus direitos profissionais mais essenciais de que estão a ser vítimas.

Apesar da minha adesão incondicional à ideia por detrás do texto, este espectáculo levantou-me uma série de inquietações. Parece-me que o trabalho dramatúrgico em muito teria beneficiado o resultado final se o texto fosse limpo das constantes referências ao contexto italiano que em Portugal e em 2009 parecem algo descabidas e consequentemente desnecessárias. Por outro lado, o recurso à exaustão ao non-sense, às tentativas de humor disparatado e de situações perfeitamente caricatas não só alonga demasiado a duração do espectáculo como dilui numa aparente comédia fácil uma obra que podia de facto ter um impacto violento no espectador. Para além disto, e ainda que os figurinos fossem apreciáveis e surgissem coerentes no meio do desvario consumista das personagens a referência directa ao seu criador surge como publicidade despudorada e despropositada num espectáculo como aquele.
As interpretações de Cristina Cavalinhos (Antónia) e Luís Gaspar (João) são sólidas e um dos elementos mais fortes do espectáculo, já Lucinda Loureiro desilude ao tentar construir uma personagem pouco convincente. A escolha de Horácio Manuel também não me parece adequada devido apenas à diferença de idades entre este e o seu melhor amigo.
Outro aspecto positivo da encenação é a presença em palco de dois músicos e os cenários que criam sentido e são habilmente invertidos na segunda parte do espectáculo, mudando também o nosso ponto de vista sobre a situação sem sairmos dos nossos lugares.
Foi com pena, portanto, que assisti a um espectáculo que tinha os ingredientes necessários para ser uma criação forte mas acabou por deixar uma rasto de patetice que, ao contrário do que se desejava, não contribuiu em nada para a sua eficácia.

Crítica – Rei Édipo

2010-02-26T12:00:00.000Z

A partir de Sófocles. Versão e encenação de Jorge Silva Melo; acompanhamento dramatúrgico de José Pedro Serra; cenografia e figurinos de Rita Lopes Alves; música original de Pedro Carneiro; espacialização e assistência musical de André Sier, luz de Pedro Domingos, com Diogo Infante, Lia Gama, Virgílio Castelo, António Simão, Cândido Ferreira, José Neves, António Banha, Pedro Gil, Américo Silva, André Patrício, Bernardo Almeida, Daniel Pinto, David Pereira Bastos, Elmano Sancho, Estevão Antunes, Hugo Bettencourt, Hugo Samora, João Meireles, João Miguel Rodrigues, João Delgado, Joaquim Pedro, John Romão, Manuel Sá Pessoa, Miguel Telmo, Miguel Aguiar, Pedro Lamas, Pedro Luzindro, Pedro Cardoso, Pedro Mendes, Ricardo Batista, Ruben Tiago, Tiago Matias, Tiago Mateus, as crianças Beatriz Lourenço e Neuza Campos/ Beatriz Monteiro e Margarida Correia/ Inês Antunes e Inês Constantino e os músicos Ângela Carneiro, David Silva e Marco Fernandes. De 18 de Fev a 28 de Mar, Sala Garret, Teatro Nacional D. Maria II.

Levar hoje à cena uma tragédia com Rei Édipo, a mais perfeitas das tragédias clássicas para Aristóteles, é um desafio imenso que exige um exaustivo processo de criação sobre o texto original a fim de que a sua essência continue intacta. Jorge Silva Melo consegui-o, expurgando a obra de Sófocles de todos os elementos acessórios, limpando-a ao ponto de apenas ficar o osso da intriga, a essência trágica do homem que não pode fugir ao seu destino de matar o pai e casar com a mãe e ainda se culpabilizar por essa fatalidade, a tragédia do homem que é destruído pelo conhecimento.
O verdadeiro protagonista desta encenação é o texto. A representação é estática, o drama das personagens está no seu interior, nas palavras que proferem e o texto chega-nos límpido, claro, completamente actual. Tudo contribui para esta elevação das palavras ao ponto de elas mobilizarem totalmente a plateia, o cenário muito sóbrio de Rita Lopes Alves, os figurinos esquecíveis, à excepção da voluptuosidade de Jocasta (Lia Gama) bem sublinhada pelas cores que enverga, a passagem como sombras dos figurantes. Os figurantes, entre os quais se incluem um conjunto de músicos que executa a música original de Pedro Carneiro, funcionam como coro e ainda como uma forma de sublinhar a solidão daquele homem na dor que o consome. Parece-me, contudo que só o talento de Diogo Infante consegue fazer sobressair, apensar da sua pequena estatura, o Rei Édipo do meio de toda aquela multidão. Se Lia Gama consegue conferir à sua personagem a sensualidade aliada a um certo desejo de alienação da verdade das coisas, já a presença de Virgílio Castelo no papel de Creonte passa quase despercebida. No entanto será sempre Diogo Infante a sustentar o peso daquele texto inigualável.
Congratulo-me imenso, como já aqui afirmei por diversas vezes, como o facto de se ter coragem de levar à cena textos desta importância e de assumir claramente a necessidade de repor as obras clássicas sempre e sempre a fim de as manter vivas e de criar uma cultural teatral de referência no público não especializado. Mas Jorge Silva Melo , Diogo Infante e os demais intervenientes neste espectáculo conseguiram não cair na tentação de se fazer um museu do teatro onde jazem peças. Este Édipo está vivo, está em nós como esteve nos gregos mas não necessariamente do mesmo modo.

Crítica – Pavilhão 28

2010-02-26T09:00:00.002Z

Direcção de Dinarte Branco, som de Sérgio Gregório e Cristóvão Campos, luz de Feliciano Branco, com Iolanda Laranjeiro, Sara Cipriano, Sofia Dias, Tiago Nogueira e Tomé Quirino. No Pavilhão 28 – espaço expositivo do Centro Hospitalar Psiquiátrico de Lisboa (pólo Júlio de Matos), dias 17, 18, 19, 20, 21 e 25, 26 e 28 de Fevereiro, às 22 horas.

Fazer um espectáculo num pavilhão de internamento psiquiátrico desactivado no meio de uma parque com a simbologia do do Hospital Júlio de Matos resultou numa evocação directa do imaginário do inquietante David Lynch. Frank Booth de Blue Valvet, a primeira visita de Inland Empire são apenas algumas das personagens da filmografia do realizador norte-americano a povoarem aquele espaço.
Ao contrário do que acontece nos filmes de Lynch estas personagens não surgem encaixadas em estruturas narrativas sólidas e intrincadas, pelo contrário são elas as protagonistas de pequenas micro-narrativas em quartos/ celas distintas daquele fabuloso e muito apropriado espaço.

Depois de desorientar o público, deixando-o apropriar-se do pavilhão a seu bel-prazer, percorrendo os corredores, apavorando-se com os sons e os silêncios, confundindo actores com espectadores, questionando-se sobre a presença de determinados objectos em determinados lugares, Dinarte Branco conduz os espectadores a estes pequenos momentos narrativos, internamente coerentes.
Assistir a um espectáculo deste género não é fácil pois exige do público a disponibilidade para olhar de frente os seus seus próprios fantasmas interiores e simultaneamente ser capaz de se libertar deles através do reconhecimento das personagens e respectivos filmes evocados. Desconcertado, o público compreende a custo que a instalação acaba sem palmas mas fica a sensação de que queríamos ter mais, queríamos mais personagens loucas de Lynch a provocar-nos naqueles corredores, queríamos e podíamos ter sofrido mais.

2010-02-05T10:53:00.001Z

10 000 visitas

Crítica - Blackbird

2010-01-24T20:18:00.005Z

de David Harrower. Tradução e encenação de Tiago Guedes, cenários e figurinos de Joana Rosa, desenho de luz de Nuno Meira, sonoplastia de Rui Dâmaso, com Isabel Abreu, Miguel Guilherme, Constança Rosado/ Filipa Rebelo/ Margarida Lopes, voz off de Custódia Gallego. Na Sala Estúdio do Teatro Nacional D. Maria II de 14 de Janeiro a 21 de Fevereiro.

Blackbird foi levada à cena, pela primeira vez, no King's Theatre, em Edimburgo, a 15 de Agosto de 2005, tendo sido nomeada Peça do Ano pela Saltire Society em 2005 e recebido o Lawrence Olivier Award para a Melhor Peça Revelação em 2007, galardões inteiramente merecidos pela coragem com que problematiza a questão da pedofilia.
Ray (Miguel Guilherme) é subita e inesperadamente visitado no seu local de trabalho por Una (Isabel Abreu), têm respectivamente 55 e 27 anos e conheceram-se 15 anos antes. Num poderoso diálogo suportado por um jogo de corpos que ora se aproximam, ora se afastam, param, mexem-se, desejam-se, lutam, revivem a relação que tiveram quando Una tinha apenas 12 anos e ele 40, relação essa que o condenou uma pena de prisão por pedofilia e lhe destruíu a vida bem como a dela. Contudo, apesar de o enquadramento legal desta relação fosse o de pedofilia, enquanto acto de abuso sexual de um menor por um adulto, e depois de tudo o que se passou Una assim a veja, compreendemos, tal como as personagens vão descobrindo, que existiu entre ambos uma paixão, um amor proibido que eles próprios não conseguiram aceitar perante si mesmos, um amor que os nossos dias condenam liminarmente mas que noutras épocas seria perfeitamente aceitável. Os estudos psiquiátricos há muito que identificaram este lado menos falado de muitas das relações pedófilas, a ligação afectiva entre a vítima e o abusador, se é que sempre disso se trata. Ray mantém até ao final que não foi um pedófilo, que nunca abusara de crianças e que gostara verdadeirmente de Una. Ele próprio lhe dá outra versão dos acontecimentos da noite em que ela julgava ter sido abandona sozinha e a sangrar num quarto de uma pensão longe de casa. Ambos sentem de novo o desejo que os uniu 15 anos antes. Mas o aprecimento súbito da jovem enteada de Ray prova que este nunca mais se poderá libertar do peso da culpa e do estigma do prevertido. As marcas são também visíveis em Una que não conseguiu equilibrar a sua vida sexual e afectiva. Os pais, que a fizeram uma menina solitária e carente, culpabilizaram-na, bem como os amigos e vizinhos, por tudo que sucedeu. Nenhum dos dois pode escapar à criminalização do seu acto.
Ambos os actores conseguem sustentar o diálogo tão rico e tão exigente emocionalmente. O início algo titubeante de Isabel Abreu vai ganahndo corpo e transfigura-se numa mulher comum pesadíssimo passado, com enormes conflitos interiores com tanta raiva dos próprios sentimentos. Una torna-se real. Ray é um fraco, sempre um fraco, mas não necessariamente um homem mau.
O cenário Joana Rosa mostra-nos uma sala dos fundos de um escritório, sala onde os empregados comem mas não limpam, onde tudo está cheio de lixo. Ao fundo a parede que separa a sala do corredor tem vidros verdes, por onde vemos passar a silhueta de quem está do lado de lá. A determinado momento, Una e Ray lutam contra o lixo, batem-lhe e sujam-se numa tentativa de se libertarem da sujidade que a sociedade (ou os seus próprios actos) lhes imprimiu.
Excelente texto e excelente interpretação de uma obra muito oportuna e que merece uma reflexão profunda.

Crítica - Jardim Zoológico de Cristal / The Glass Menagerie, 1944)

2010-01-10T19:12:00.005Z

de Tenessee Williams. Encenação de Nuno Cardoso; assistência de encenação de Vítor Hugo Pontes; cenografia de Fernado Ribeiro; figurinos Story Taylors; sonoplastia de Luís Aly; desenho de luz de José Álvaro Correia; com Maria do Céu Ribeiro, Micaela Cardoso, Luís Araújo e Romeu Correia. No Teatro Taborda, em Lisboa, de 6 a 16 de Janeiro.

A acompanhar o espectáculo é oferecido ao espectador um pequeno jornal, à laia de programa, onde para além de uma entrevista a Nuno Cardoso onde este apresenta a sua concepção da peça, surgem outros texto alguns dos quais da autoria do próprio Tenessee Williams nos quais este reflecte sobre a sua obra. Só depois da leitura atenta destas folhas, infelizmente, consegui perceber a intenção de muitas das opções da encenação, que ao assistir ao espectáculo me pareceram sem sentido e, só nesta altura também, consegui entender o próprio modo como o dramaturgo orientou a narrativa na obra em questão. Ora um espectáculo de teatro não pode depender do conhecimento anterior do espectador sobre o texto da peça ou sobre os objectivos do encenador ou do dramaturgo. A mensagem tem de ser transmitida em cena pela cena e por todostodos os elementos que são convocados para a sua construção. Este ponto parece-me ser a grande falha deste espectáculo.

Aprecio particularmente, como já referi por diversas vezes, os encenadores e as companhias que optam por um teatro de reportório, já que é fundamental que tenhamos acesso a representações de grandes obras da dramaturgia universal. Regozijo-me particularmente com o facto de Nuno Cardoso ter escolhido Tenessee Williams, dramaturgo que me é particularmente caro, e The Glass Menagerie, peça tão emblemática da sua obra, como objecto de trabalho. As personagens concebidas por Tenesse Williams são sempre extraordinarimente complexas e por isso mesmo absolutamente reais. Em Jardim Zoológico de Cristal, é-nos apresentada uma sofucante família sulista no período da grande Depressão. O narrador da peça, Tom Wingfield (Luís Araújo) dá-nos a conhecer, recorrendo às lembranças que carrega na memória, a mãe, Amanda (Maria do Céu Ribeiro) e o modo como esta tentava controlar a família e e própria interação dos seus filhos com o mundo real que os circundava, e também como procurava manter a dignidade apesar de não haver nada no frigorífico nem dinheiro para comprar. É ele que nos apresenta ainda a irmã coxa e inadaptada, Laura Wingfield (Micaela Cardoso), e o seu atraente colega do armazém, Jim O'Connor (Romeu Costa), que depois de parecer o salvador do drama daquela família consegue destruir todas as expectativas.

A cena passa-se em dois espaço distintos divididos por vidros partidos, o do inteiror da casa, da qual conhecemos a sala de estar e de jantar, e o espaço do jardim que também é o do espaço onde o narrador evoca as suas memórias. Por cima deste espaço, existe um telão onde são projectadas frases lapidares dos diálogos que estão a ser travados em cena. Ora este aspecto fundamental da obra, o de se tratar de uma peça de memória, onde tudo são lembranças e não a realidade como ela foi, não transparece do espectáculo e só o pude compreender ao ler o jornal que acompanha o espectáculo, tal como só aí percebi que a casa foi concebida como uma loja com a sua montra, loja que representa as lojas onde eles não têm dinheiro para comprar nada. As indicações verdes de saída de emergência em cada uma das saídas laterais da casa só então fizeram sentido para mim. Só depois desta informação pude perceber aspectos que me incomodaram extremamente durante o espectáculo, como o facto da mãe ser da idade dos filhos, o mobiliário completamente anacrónico - um sofá anos 70, uma cozinha branca da mesma época), contrastando com o gurda-roupa anos 50 perfeitamente aceitável para uma família sulista. Só então compreendi que a ideia era mostrar que a cena não se passava naquele espaço e tempo mas em qualquer espaço e qualquer tempo. Parece-me uma falha grave da encenação que seja preciso ler um texto explicativo para se compreender a ideia de base da concepção da obra. Esta falha condiciona totalmente a recepção do espectáculo e destrói a capacidade de valorizarmos muitos aspectos da encenação, como a opção por colocar talas a Laura, porque o irmão a lembrava como uma pessoa com uma grave deficiência, ou de uma mãe tão jovem como os filhos, porque para Tom ela era assim. Também só mais tarde soube que a projecção das frases dos diálogos eram uma indicação do texto do próprio Tenessee Williams e não uma escolha de Nuno Cardoso.

Ainda que a interpretação de Maria do Céu Ribeiro seja bastante forte, convencendo pela oscilação entre a sua força interior, o amor claustrofóbico que nutre pelos filhos, a sua insegurança interior que compensa com uma incrível esperança e necessidade de controlar tudo para que o que deseja aconteça de facto, a sua juventude não convence mesmo que a ideia de base seja a de a apresentar como a figura que Tom guarda dela. Jim O'Connor por Romeu Costa é tão belo, saudável, optimista e tolo como se pretende, contrastando com a negro interior do seu amigo Tom a quem chama Shakespeare. Já Micaela Cardoso dá à sua personagem uma rigidez exagerada. Ainda que inadaptada, incapaz de se afirmar e de encontrar um lugar no mundo fora da sua casa, dentro de Laura existem muitos desejos, muitos sonhos, muitas lembranças, um mundo inteiro que Jim desvela por instantes mas ao qual Micaela Cardoso não sobe dar corpo.

Esta encenação beneficiaria bastante com um afastamento de uma interpretação racional do texto e uma maior entrega ao turbilhão de emoções daquelas personagens, à sua tremenda humanidade. Esse é para mim sempre o aspecto mais fabuloso de todas as peças de Tenessee Williams, o modo como as suas personagens nos são, apesar de declaradamente desequilibradas, tão familiares, tão nossas conhecidas, como somos rodeados desde que nascemos de pessoas com aquelas características, de pessoas que também nos fizeram mal assim, tal como Tenessee as viu antes de as escrever na sua própria vida, como ele apresenta o nosso caminho na vida como algo tão condicionado por aspectos tão exteriores a nós mesmos, como ele mata a esperança. Amanda diz ao perceber que nada vai melhorar e sem saber ainda como irá piorar " as coisas têm sempre uma tendência tão grande para correrem mal".

Crítica - A Gaiola das Loucas (La Cage aux Folles)

2009-12-25T10:00:00.001Z

A Gaiola das Loucas. Música de Jerry Herman; libreto de Harvey Fierstein, segundo a comédia de Jean Poiret. Direcção artística, encenação e cenografia de Filipe La Féria; coreografia de Inna Lisniak, figurinos de João Rolo. Com José Raposo, Carlos Quintas, Rita Ribeiro, Joel Branco, Helena Rocha, Filipe Albuquerque, Hugo Rendas, Catarina Pereira e Mafalda Tavares. Em Lisboa no Teatro Politeama.

Tenho de me confessar uma sincera admiradora de Filipe La Féria por duas razões, uma muito pessoal e subjectiva e outra relativa ao teatro português em geral. A minha razão pessoal é o facto de um dos meus primeiríssimos contactos com o teatro ter ocorrido, em 1980, na Casa da Comédia com o espectáculo Eu sou a avó dos Beatles, encenado por La Féria, com arranjo musical de Tó Zé Brito. Guardo até hoje memórias vivas de momentos do espectáculo, particulamente de um Yellow Submarine, que era apresentado, já na altura, em projecções de vídeo. Em adulta reconheço em La Féria a capacidade indiscutível de trazer ao teatro um público vastíssimo de todas as partes do país e de todos os estratos sociais que, mesmo nos dias que correm, fazem daquele momento em que assistem à representação um momento de gala para o qual se vestem a rigor, se preparam durante semanas e recordam para a vida. Isto é, a meu ver, a maior homenagem que se pode fazer ao teatro, tornado-o força viva e mobilizadora. Para além de tudo isto La Féria constrói espectáculos de grande s recursos criando os seus próprios meios de finaciamento.

Dia 1 de Dezembro de 2009 foi o dia Mundia da Luta Contra a Sida, ora nada mais apropriado do que a montagem deste A Gaiola das Loucas, estreado em Paris em 1973, que aborda o mundo dos homossexuais e dos transformistas, grupo inicialmente tão vitimado pela doença. O libreto, foi, com autorização do autor, adaptado à realidade portuguesa como o argumento exigia.

A Gaiola, aliando os fortes momentos musicais a coreografias bem concebidas e a passagens hilariantes, fala-nos de um jovem, Ricardo Del Carlo (Hugo Rendas) que ao decidir casar-se com Bárbara Alarcão (Catarina Pereira/ Mafalda Tavares) não sabe como pode apresentar ao seu futuro sogro o político conservador Arnaldo Alarcão (Joel Branco) o seu pai verdadeiro Armando Del Carlo (Carlos Quintas), a sua mãe de coração e companheiro do seu pai Carlos Alberto/ travesti Zaza Napoli (José Raposo) e a sua verdadeira mãe, Simone (Rita Ribeiro), com quem o pai tivera uma aventura na juventude, e que mal conhece. Para agravar a situação é ainda preciso disfarçar o facto da casa do seu pai se situar ao lado do célebre cabaret de transformismo de que é proprietário, A Gaiola das Loucas.

Sobressai neste espectáculo a interpretação surpreendente de José Raposo, que constrói com alguma complexidade a figura de um homem que vive uma relação homossexual estável onde os papéis são bem definidos e é simultanemente uma estrela transformista onde pode deixar extravasar o seu lado feminino, transformando-o numa manifestação artística. Esta personagem vive um emaranhado de sentimentos díficeis de analisar pois ele é pelo amor e dedicação demonstrados a verdadeira mãe afectiva do filho do seu companheiro embora isso muito dificilmente possa ser assumido perante terceiros.

As opções cénicas, nomeadamente o contraste entre os espaços do palco e da casa dos Alarcões em dois níveis diferentes são fortes e produtoras de sentido. O guarda-roupa, cabeleiras, música e coreografias criam um espectáculo sensorialmente muito apelativo e a imagem que transparece para o espectador é a de uma grande coerência da encenção só possível com uma clara direcção artística.

O musical termina com uma homenagem aos mais célebres transformistas portugueses como Belle Dominique, Guida Scarlatti, Lídia Barloff ou Ruth Briden, o espectáculo é ainda dedicado ao já falecido José Manuel Rosado.

A grande questão que uma montagem como esta me coloca é a da capacidade que tem ou não de atingir os objectivos a que se propõe e da forma como consegue mobilizar os seus imensos recursos nesse sentido. Enquanto entretenimento grandioso e desopilante o espectáculo é de facto eficaz mas, sendo o público apreciador deste género de teatro constituído por espectadores com um gosto artístico menos desenvolvido e exigente que o de outro tipo de teatro dito não-comercial e numa relação de causa-efeito habitualmente mais conservador e defensor do status quo que lhe garante a tranquilidade em que vive, será de facto este o melhor meio para lutar contra o preconceito, a discriminação e passar uma mensagem de compreensão e tolerância para com as minorias sexuais? Por outras palavras, para além das plumas e lantejoulas o espectáculo consegue de facto fazer o público sair da sala a reflectir sobre o modo como vê a homossexualidade e o transformismo? Infelizmente julgo que a resposta é negativa, o lado exótico tão sublinhado pelos travestis confina ao palco a aceitação, ao grupo restrito dos artistas, ao gueto donde não pode atingir o espectador mal este saia pela porta da rua.

Hannah e Martin

2009-12-20T17:18:00.008Z

Hannah e Martin de Kate Fodor. Versão de João Lourenço e Vera San Payo de Lemos. Dramaturgia de Vera San Payo de Lemos. Encenação e realização vídeo de João Lourenço; cenário de António Casimiro e João Lourenço; figurinos de Maria Gonzaga; supervisão audiovisual de Aurélio Vasques, luz de Melin Teixeira. Com Ana Padrão, Cátia Ribeiro, Cristóvão Campos, Diogo Mesquita, Francisco Pestana, Irene Cruz, Luís Alberto, Maria Ana Bernauer, Rui Mendes.

A norte-americana Kate Fodor, até agora praticamente desconhecida do público português, é-nos revelada pelo Novo Grupo através da encenação de uma das suas mais conhecidas e galardoadas obras, Hannah e Martin, um texto que se debruça sobre os contornos da ligação dos filósofos Hannah Arendt e Martin Heidegger.

Em 1924, Martin Heidegger inicia uma relação amorosa apaixonada e adúltera com a sua aluna Hannah Arendt que também se viria a revelar uma notável pensadora. Ainda que formada por Heidegger, Hannah conseguiu afastar-se do mestre e seguir um caminho só seu. A sua relação conhece muitos altos e baixos principalmente devido ao facto de Martin ser casado e não estar disposto a abandonar a sua família ao mesmo tempo que Hannah, pagando com o seu próprio sofrimento, lhe foi perdoando sucessivamente as enormes falhas morais que este ia revelando. A perseguição nazi obrigou Hannah a refugiar-se em Paris e aproximou Heidegger do pensamento hitleriano e do próprio regime. Durante os julgamentos de Nurenberga, Hannah visita o seu antigo amante e mestre e discutem as razões das decisões que tomaram perante as circunstâncias que viveram.

O tema abordado na peça é extraordinariamente interessante e Fodor conseguiu manter uma profundidade reflexiva ao mesmo tempo que nos apresentava os contornos da relação amorosa entre os dois filósofos e os casamentos com outras pessoas de cada um deles. Se Rui Mendes é, sem levantar qualquer dúvida, um actor poderoso que construíu uma personagem densa, simultaneamente fraco e dominador, Ana Padrão esteve muito áquem. A sua incontestável beleza e graciosidade poderiam ter ajudado à criação de uma mulher onde o contraste entre a fragilidade exterior e a a força viril do seu pensamento fossem a chave da sua personalidade e do efeito que causa nos demais. Mas tal não aconteceu. A actriz não consegue sustentar o peso da sua própria personagem, o texto sai confuso e por vezes difícil de acompanhar, Hannah Arent torna-se mais bela aos olhos que ao pensamento.

A encenação de João Lourenço é, como sempre, arrojada. Paralelamente à cena existe um projecção de dois tipos de filme, por um lado a filmagem em directo de expressões, falas, gestos, dos actores que contracenam no palco o que me parece bastante interessante do ponto de vista das possibilidades de exploração do trabalho dos actores e do próprio texto que proporciona. Por outro é-nos projectada uma gravação de uma encenação do julgamento da História que em alguns momentos funciona numa interacção bem conseguida com os actores em palco. Como já referi as possibilidades que este uso da tecnologia oferece são inúmeras e devem ser trabalhadas mas durante muitos momentos do espectáculo o seu uso pareceu-me exagerado, criando o efeito contrário de nos distrair da cena e da tensão que o texto exige ao espectador.

A escolha da sala vermelha para a apresentação do espectáculo cria um ambiente intimista propício à nossa intromissão na vida íntima de duas proeminententes figuras da História recente. O guarda-roupa de Maria Gonzaga é discreto e adequado e os cenários são também suficientemente secundários para dar ao texto o protagonismo que merece. É particulamente interessante a construção da famosa cabana da montanha do filósofo e a apresentação em vídeo e em cena do que se passa no seu inteiror como se fosse já um espaço a que nós enquanto espectadores não pudessemos aceder directamente.

O programa do espectáculo corrdenado por Vera San Payo de Lemos com Marta Dias é muito rico e revela-se o resultado de um estudo profundo não só da obra da autora mas sobretudo da vida dos dois grandes pensadores.

Sleeping Betty ou Isabelle au Bois Dormant

2009-12-18T21:44:00.001Z

Crítica – Máquina de Somar

2009-10-25T17:02:00.004Z

De Joshua Schmidt; libretto de Jason Loewith e Joshua Schmidt, baseado na peça Adding Machine de Elmer Rice; tradução Ana Zanatti; encenação de Fernanda Lapa; direcção musical de João Paulo Soares; com Henrique Feist, Luís Madureira, Luísa Brandão, Joana Manuel, Luís Gaspar, Andreia Ventura, Bruno Cochat, Joana Campelo, Sérgio Lucas e os músicos Francisco Cardoso, Daniel Hewson, João Paulo Soares. Sala principal do Teatro da Trindade, Lisboa, de 17 de Outubro a 24 de Novembro.

Está a passar estranhamente despercebida este muito surpreendente espectáculo de Fernanda Lapa. Herdeiro do musical, embora como a própria encenadora afirma sobre o espectáculo, tenha com ele apenas breves pontos de contacto, Máquina de Somar é uma transposição para o Portugal dos anos 20...30 do drama imaginado por Elmer Rice na América dos anos 20 de um homem, o Sr. Zero, que, ao fim de 25 anos de trabalho dedicado como contabilista, quando sonha ser promovido, é despedido e substituído por uma máquina de somar. O Sr. Zero não aceita este final para a sua vida e muda o curso da história.
O espectáculo, que consegue momentos de grande beleza plástica graças aos cenários e figurinos de António Lagarto, articula com mestria a transposição das canções para o diálogo. As vozes dos intérpretes impressionam, bem como a inusitada narrativa que consegue momentos verdadeiramente hilariantes, quando o Sr. Zero canta, por exemplo, o seu apreço por ovos com salsichas. A este lado caricatural alia-se uma actual e mais profunda crítica à sociedade contemporânea onde a economia trucida o trabalho de uma vida e defrauda o reconhecimento esperado.
O desenlace da história, contudo, quebra a qualidade mantida até então caindo no ridículo desconcertante e pouco oportuno. Considero, ainda assim, extraordinariamente necessária esta procura de um teatro que alie o espectáculo a uma forte reflexão sobre a sociedade em que vivemos e o curso que lhe estamos a dar.Há qualquer coisa de brechtiano aqui.
Como afirmei no início o espectáculo merece, sem qualquer dúvida, maior visibilidade junto do público e da crítica. Não é todos os dias que se montam produções desta qualidade e envergadura.

Crítica Rapariga(s)

2009-10-07T19:41:00.003+01:00

de Neil LaBute; encenação de Almeno Gonçalves, com André Nunes, Helena Laureano, Jéssica Athayde, Marta Melro, Núria Madruga; cenografia de Ana Marcos; figurinos de Elsa Barreto; desenho de luz de Nuno Samora; design e produção Sola do Sapato. Sala Novas Tendências, Teatro da Comuna em Lisboa. Estreia 8 de Outubro.

São muito verdadeiras as personagens deste espectáculo. Todos nós conhecemos um terrorista emocional como o protagonista desta peça, interpretado por André Nunes. Todos sabemos como os predadores emocionais escondem muitas vezes caracteres profundamente fracos, cobardes e emocionalmente dependentes. Este homem, um escritor estabelecido em Espanha onde desenvolve uma promissora carreira, decide retornar a Portugal para rever algumas mulheres que foram importantes no seu passado e perante quem julga ter ainda dívidas a saldar e assuntos a resolver, antes de dar o grande passo do casamento. Esse périplo leva-o a quatro quartos de hotel, modificados com mestria em cena pela mudança hábil dos números da porta, e a quatro mulheres. Jéssica Athayde, Marta Melro, Núria Madruga e Helena Laureano dão vida a quatro ex-namoradas que foram abandonadas sem explicações e que guardam consequentemente profundas mágoas. Cada uma correspondeu a uma fase na vida do protagonista e encarna um tipo diferente de mulher. No entanto, de todas elas só Mila (Helena Laureano) consegue de facto perceber como aquele homem procura acima de tudo certificar-se de que o que vai ganhar é superior ao que deixa para trás e só ela também descobre que simultaneamente todos aqueles encontros proporcionariam matéria para novas escritas. Talvez por isso ela é a única que ele gostaria que não partisse.
A encenação sustenta muito bem a actualidade, sensualidade e dor de todo o texto povoado de momentos tão trágicos como hilariantes. O desenho de luz e os figurinos conferem à cena um carácter visualmente cinematográfico. Não esqueçamos que LaBute para além de dramaturgo é também argumentista. Embora seja um pormenor, o único reparo que teria a fazer aos sensualíssimos e bem conseguidos figurinos seria o das meias de renda de liga de Marta Melro muito pouco apropriadas a uma hippie. À excepção do inconsistente desempenho de Jéssica Athayde, as restantes interpretes encarnam com veracidade o turbilhão emocional das mulheres rejeitadas por razões absurdas. Entre elas destaca-se o desempenho de Helena Laureano como o mais impressionante. A sua personagem convence na sua complexidade e humanidade e ela confere-lhe o toque de realidade que todo aquele ambiente de filme lhe poderia retirar. Espantou-me, confesso, um elenco tão mediático como o que compõe este espectáculo. O facto de todos os actores serem muito atraentes e muito conhecidos do público de Lisboa e do resto do país por onde o espectáculo faz digressão dá-lhe a tal actualidade desejada. Cria laços entre a história em cena e história do espectador que sente familiaridade com aqueles actores. Contudo, a televisão desgasta tremendamente a imagem de um actor e todos eles são de imediato associados a uma personagem de uma qualquer novela intelectualmente pouco estimulante e isso deixa-nos, enquanto espectadores, com a sensação de que a selecção do elenco foi feita com objectivos comerciais, por um lado, e que tudo não passa de mais uma ficção de consumo rápido como na TV, por outro.

Seis personagens à procura de autor, pelos Artistas Unidos

2009-09-26T22:50:00.005+01:00

De Luigi Pirandello; tradução de Mário Feliciano e Fernando José Oliveira; encenação de Jorge Silva Melo; com João Perry, Sylvie Rocha, Lia Gama, Pedro Luzindo, Mariema, Pedro Gil, Bruno Ambrósio, Hugo Rodrigues, Miguel Rodrigues, Inês Antunes, Matilde Coelho, Neuza Campos, João Meireles, Alexandra Viveiros, Cândido Ferreira, Vânia Rodrigues, John Romão, Rita Brüti, António Simão, Miguel Telmo, João Miguel Rodrigues, Joaquim Pedro, Pedro Carrraca, Rui Rebelo, Jéssica Anne, Luís Godinho, Pedro Lacerda, Pedro Lamas, Sara Moura, Diogo Correia, João Delgado, Ricardo Batista.

Regozijo-me sempre que vejo ser posta em cena, em Lisboa, uma peça emblemática do repertório dramático universal. Assim foi com estas Seis personagens… o que eu não esperava é que ou a importância do texto, ou qualidade da encenação, ou ainda o charme do Teatro S. Luiz ou mesmo o facto dos bilhetes de plateia custarem 20 euros trouxesse ao teatro um público tão diversificado e normalmente tão afastado do teatro não comercial. Na noite de dia 26, viam-se entre o público altas figuras da burguesia lisboeta, belas jovens em vestido de noite, famílias completas, entre um ou outro amante de teatro, como eu, e ainda um conjunto significativo de curiosos de teatro, pessoas que não costumam ir ao teatro mas ouviram falar e querem ver como é. Entre esta assembleia coube-me um lugar na fila seguinte a uma grupo de invisuais, que muito me apraz ver no teatro, mas a quem alguém ia narrando a história ao longo do espectáculo, como se os vários níveis de representação em cena não fossem suficientes! A recepção do espectáculo foi fortmente prejudicada pelo público e também pelo excesso de ruído em cena, provocado pelo exagero de personagens aí colocadas - penso que a companhia de teatro que recebe a visita destas sinistras seis personagens não precisava de estar toda em cena, vestida de cores visualmente tão fortes e distraindo tanto a atenção do texto que devia ser, entendo eu, esse sim o verdadeiro protagonista. A parafernália de cores sobre o telão azul fortíssimo só teve como mérito o contraste que criou com o negrume daquela família perdida numa história que ninguém queria contar e ainda o de, pela sua contemporaneidade, actualizar, de alguma forma, o texto. Ainda assim, e reconhecendo o mérito da encenação onde se usaram habilmente os recursos de construção e desconstrução do espaço teatral e do teatro dentro do teatro, o texto não chegava à fila K, onde me encontrava, como eu gostaria. A presença de João Perry e de Sylvie Rocha, cujo desempenho neste espectáculo foi digno de nota, era bastante forte mas só faria totalmente sentido se todo o espectáculo fosse estruturado no texto que Pirandello criou. Tal não aconteceu, entre as cores garridas da cena, as infinitas e personagens aí presentes, o burburinho da sala e a incansável narração da pessoa sentada atrás de mim, saí do teatro com o desalento de quem sabe que assistiu a um grande espectáculo mas o não conseguiu acompanhar como ele merecia.
O programa do espectáculo pode ser consultado aqui.

Crítica – Ego

2009-09-07T15:35:00.003+01:00

De Mick Gordon e Paul Broks; tradução de Francisco Nicéforo; encenação de João Pedro Vaz; espaço cénico e figurinos de Maria João Castelo; vídeo de Pedro Filipe Marques; luz de Nuno Meira; com António Fonseca, Catarina Lacerda e Gonçalo Waddington. Teatro Nacional D. Maria II de 3 de Set a 11 de Out, de 2009, 4ª a sab às 21h45 e dom. às 16.15.

João Pedro Vaz é, sem dúvida, um mais talentosos actores da sua geração o que criou em mim expectativas em torno do resultado final desta encenação da sua autoria. De facto, a ideia original de uma peça sobre a questão de saber onde fica a identidade dentro do monte de carne que é o nosso cérebro é atraente, ainda para mais saída da pena de Mick Gordon, coordenador e investigador da unidade Teatro e Mente, e da de Paul Broks, dramaturgo e neuropsicólogo. Mas o resultado final não correspondeu às expectativas.
Esta questão teórica que abre a peça depois de assistirmos a um diálogo fora de contexto de Derek (António Fonseca) e Alex (Gonçalo Waddington) sentados a uma mesa com bebidas e nozes é levada do plano das ideias para a concretização na história do teletransporte mal sucedido de Alex (um neurocirurgião que descrê da ideia de identidade) e que se vê assim impedido de acompanhar a mulher, Alice (Catarina Lacerda) a quem foi diagnosticado um tumor cerebral que a vai fazer progressivamente perder as capacidades, inclusivamente a de identificar a identidade do marido.
A sensação com que saí da sala foi a de perguntar “então mas onde é que querem chegar?”. Falta à encenação uma direcção forte, ideias claras, coerência global. Em palco tudo deve fazer sentido e muitas das opções cénicas, como a tela onde assistimos a uma operação cerebral depois transformada em gabinete de médico, ou o telão ondulante que muda de cor e onde são projectadas imagens ao longo da representação não só pouco acrescentam à construção do sentido como causam de facto ruído dentro dessa construção. Gonçalo Waddinggton aguenta bem o texto e apresenta-se versátil mas não é acompanhado pelos outros actores. Não conseguimos perceber o porquê das danças sem sentido de Alice e sem grande qualidade também. Não há, como já disse, um produto final sobre o qual possamos pensar, questionar. Tudo parecem ideias dispersas unidas por um impulso de fazer uma peça a partir de uma boa ideia mas pouco trabalhada.

Othelo - Sir Laurence Olivier

2009-08-28T19:16:00.000+01:00

The Taming of the Shrew

2009-08-26T16:16:00.000+01:00

The Tempest (1960 TV)

2009-08-22T13:59:00.001+01:00

The Tragedy of Macbeth (Polanski, 1971)

2009-08-19T13:44:00.001+01:00

Romeu + Juliet

2009-08-16T15:34:00.000+01:00

A Midsummer Night's Dream - 1935

2009-08-14T16:25:00.001+01:00

Hamlet - Sir Lawrence Olivier

2009-08-12T22:47:00.001+01:00

Férias

2009-08-03T08:00:00.001+01:00

Estimados leitores, este blog vai de férias até dia 12 de Agosto. Prometemos voltar então com novos posts sobre como vai o teatro por lisboa e não só.

Pedro Penilo 8!8!8!

2009-07-23T18:00:00.001+01:00

8 horas de sono! 8 horas de trabalho! 8 horas para se fazer o que se quiser!

Crítica – Comédia Mosqueta

2009-07-20T21:07:00.002+01:00

De Angelo Beolco, dito o Ruzante. Encenação de Mário Barradas. Com Ivo Alexandre, José Martins, Paulo Matos e Teresa Gafeira. Tradução de José Oliveira Barata. Cenário de Christian Rätz. Recriação dos figurinos de Sónia Benite. Desenho de luz de José Carlos Nascimento. Festival de Teatro de Almada. Sábado, 18 de Julhos de 2009. Escola D. António Costa – Palco Grande.
O Festival de Teatro de Almada terminou este ano com a apresentação da Comédia Mosqueta do dramaturgo italiano do século XVI Angelo Beolco, o Ruzante. Para encerrar o ambiente de festa e de grande convívio que se viveu nestes dias, Joaquim Benite mandou grelhar uma fantástica vitela barrosã vinda de Trás-os –Montes juntamente com uma equipe especial para tratar do repasto.
Mas voltemos ao espectáculo final. Esta Comédia Mosqueta procurou ser uma cópia fiel da encenação de 1973 de Os Bonecreiros também dirigida então por Mário Barradas. Eu não assisti ao espectáculo de 1973 e só posso tentar adivinhar o que terá sido o impacto de um texto que não se poupa em palavras e que a um nível mais profundo olha com atenção para a população rural pobre, destituída de poder sobre a governação da sua vida. Neste texto, Betia (Teresa Gafeira) trai o marido Ruzuante (Paulo Matos) por dinheiro, este recorre ao um ardil para apanhar a mulher e o amante disfarçando-se e falando como um forasteiro que troca o dialecto de Pádua por uma linguagem culta, «moscheta». Criam-se várias situações cómicas e alguma sensualidade mas o objectivo primordial do autor é fazer sobressair o instinto de sobrevivência dos camponeses de Pádua acabados de sair de uma longa guerra contra Veneza e a sua reacção perante aqueles que os oprimiram.
Grandemente prejudicado pelo muito fraco trabalho de actor de Ivo Alexandre, José Martins e Teresa Gafeira que simplesmente não conseguiram construir as personagens, e muitas vezes nem o próprio texto diziam com clareza e convicção, para além de que fisicamente não fossem a melhor escolha para os papéis, sendo apenas de ressalvar o enorme esforço de Paulo Matos que convenceu mas não chegou para fazer um espectáculo sozinho, esta peça pecou ainda por vários outros aspectos. Realço o disparatado guarda-roupa que só de longe demonstrava alguma trabalho de pesquisa. A versatilidade do cenário, panos, molduras em madeira e cordas que eram usados para construir diferentes espaços foram recursos interessantes que a encenação soube aproveitar. Ainda assim falhou um bom tratamento do texto, o espectáculo foi demasiado longo (duas horas) tornando repetitivas e gastas as alusões sexuais e símbolos fálicos. Este “picante” desmascarar do sexo não faz grande sentido no século XXI onde o sexo é um tema tão banal como lavar os dentes.
É com tristeza que assino esta crítica porque o espectáculo prometia mas não transpareceu um esforço conjunto e empenhado de um colectivo para que isso acontecesse. Em teatro não basta a boa intenção de um homem.

Crítica – Para Louis de Funès

2009-07-16T18:19:00.003+01:00

De Valère Novarina; Tradução de Ângela Leite Lopes, Joana Frazão e Jorge Silva Melo; por Jorge Silva Melo; canário e figurinos de Rita Lopes Alves; luz de Pedro Domingos; um quadro de Ivo. Artistas Unidos no Instituto Franco Português – Festival de Almada 2009.

Jorge Silva Melo é, para mim, o mais extraordinário homem de teatro português vivo. Ele faz teatro como não julgamos ser já possíve. Dia 12 de Julho, domingo, às 17 horas tive o privilégio de assistir a este espectáculo.
O cenário dividia-se em duas áreas distintas que se equilibravam. Uma secretária de trabalho, com papéis, um cinzeiro (esse objecto tão inspirador em vias de extinção) e um candeeiro de secretária articulável que o actor manuseava consoante a necessidade deliberadamente criada de luz. Do outro lado, sobre uma parede branca sobressaída uma muito vibrante tela de Ivo permanentemente iluminada.
Jorge Silva Melo foi durante uma hora e dez o actor, aquele que lia e era o que lia. O texto denso, profundo, reflexivo nem sempre permitia uma interpretação tão rápida como se propunha, mas ficou a vontade de nos debruçarmos mais profundamente sobre a sua leitura (o texto encontra-se publicado na Revista Artistas Unidos, nº19).
Para Louis de Funès, uma obra dirigida ao actor cómico francês, vem na continuação de Carta aos Actores, também apresentado pelos Artistas Unidos, na mesma sala, nos dias 6 e 7 de Julho, e propõe também ela um reflexão séria sobre o que é ser actor verdadeiramente actor, actor-artista, criador, tábua vazia capaz de se preencher de outras vidas que finge serem suas.
Não houve acção, não houve conflito, mas houve, sem dúvida alguma, teatro. Alguém que se transformou e nos levou com ele para outro plano, para o plano do pensamento sobre o que vemos, da reflexão sobre a arte, da atitude crítica, activa, reflexiva, produtiva.

Sinais de cena 11

2009-07-12T20:07:00.003+01:00

Está já nas bancas o número onze da publicação Sinais de Cena, da APCT e do CET.

Neste número, o “Dossiê temático” centra-se nos distinguidos pelo prémio da Crítica 2008 e é assinado por Maria Helena Serôdio, Rui Pina Coelho, Ana Pais e Constança Carvalho Homem. Paulo Eduardo de Carvalho responsabilizou-se pelo portefólio todo ele dedicado a Ricardo Pais e ao seu trabalho no TNSJ. Miguel Falcão entrevistou a multifacetada actriz Carmen Dolores sobre a sua carreira. A rubrica “Em rede”, assinada por Jorge Daniel Chambel Geraldo, fala-nos da relação entre as companhias e o público que a internet possibilita. Os “Estudos Aplicados” centram-se na questão da violência e a sua relação com a arte e dividem-se por três artigos da autoria de Manabu Noda, Aglika Stefanova e Halima Tahan. “De fora” chegam-nos notícias de Prémio Europa Para o Teatro 2009, das realções entre Garcia da Orta e Alexander von Humboldt, e ainda alguns apontamentos sobre o teatro em Goa e em Praga, um apanhado da dança oficial e contemporânea em Buenos Aires, O Festival ManiganSes, e algumas reflexões sobre o teatro de Joaquim Cardozo. Estes artigos são assinados respectivamente por Paulo Eduardo de Carvalho Anabela Mendes, Alexandre Clado, Cristina Guerra Alejandro Karasik, Rita Martins e Ana Carolina Paiva. Em “Passos em volta” Francesca Rayner debruça-se sobre Warlikowski, Maria Helena Serôdio sobre A Tempestade na Cornucópia, Ana Isabel Vasconcelos fala-nos de Os Maias no Trindade, Sebastiana Fadda escreve sobre Esta Noite Improvisa-se levada à cena no Teatro Naciona D. Maria II e Alexandra Moreira da Silva sobre Os Tambores na Noite no Teatro Nacional de São João. Nas “Leituras” Sebastiana Fadda escreve sobre o trabalho de Hélia Correia, Ana Campos reflecte sobre as relações entre o Teatro e a Escola a partir do trabalho de José Caldas, Ana Pais recenseia o catálogo da exposição ”Um Teatro Sem Teatro”. Mais uma vez Sebastiana Fadda apresenta-nos uma lista exaustiva de publicações de teatro, desta vez, vindas à estampa em 2008. O “Arquivo Solto” assinado por Luiz Francisco Rebello e Sebastiana Fadda analisa a relação entre Eça de Queiroz e o teatro.

Crítica – A Caravana

2009-07-06T18:11:00.007+01:00

Texto e encenação de Nuno Pino Custódio; interpretação de Carlos Pereira, Catarina Guerreiro, Nuno Nunes, Rui M. Silva e Yolanda Santos; espaço cénico e figurinos de Marta Carreiras; desenho de luz de Pedro Domingos; selecção musical de Nuno Pino Custódio; direcção artística de Miguel Seabra e Natália Luiza. No Teatro Meridional de 24 de Junho a 2 de Agosto de 2009.

Este espectáculo fala-nos da rota da seda, do caminho da seda desde o casulo na China aos mercados venezianos, fala-nos do contacto entre culturas que esse caminho proporcionava, através da representação de pequenas histórias de vida de personagens que se constroem à nossa frente. A rota da seda surge como a rota entre indivíduos, onde cada um preserva a sua essência.

Mas as palavras acabam por ser o que menos importa neste espectáculo. O trabalho do actor, a versatilidade dos adereços – o espectáculo alimenta-se da transformação contínua de belíssimas peças de seda colorida nos mais variados adereços e figurinos; com o auxílio de canas de bambu, surgem tendas, turbantes, vestidos sumptuosos, véus entre mil outras sugestões – a música seleccionada pelo autor a partir dos álbuns Silk Road Journeys: When Strangers Meet (Yo-Yo Ma, Silk Road Ensemble), La Route de la Soie (vários artistas) e Babel OST (Gustavo Santaolalla) e o jogo de luzes criam belíssimos quadros vivos. Extraordinariamente plástico, este espectáculo, como acontece geralmente com as produções do Teatro Meridional, joga com os diferentes elementos do teatro para, remetendo as palavras para um segundo plano, construir imagens inesquecíveis como inesquecíveis são também as tonalidades dos grandes panos e sua volatilidade.

Não concordo, no entanto, com a proposta inicial de Pino Custódio de reflexão sobre a riqueza comunicacional deste comércio talvez impossível hoje em dia com a globalização. Acredito que a essência do ser humano, nas suas particularidades, nas suas idiossincrasias, na sua especificidade cultural só muito à superfície está e pode estar uniformizado pela aldeia global e a prova disso mesmo é que o teatro, manifestação artística milenar e universal, continua sempre a surpreender-nos e a criar momentos de beleza únicos seja em que ponto do universo for ele criado.

Crítica – porque é que não estás contente?!

2009-06-26T15:09:00.004+01:00

- porque é que não estás contente?! propõe-se partir de A Gaivota de Tchekov para, através do teatro dentro do teatro, num cruzamento com Hamlet – outra peça que usa o mesmo recurso-, explorar o universo do actor. Num cenário ambíguo onde cena e bastidores se confundem por vezes, representa-se uma companhia de actores que representa um espectáculo do qual somos também espectadores. O ponto de contacto entre Hamlet e A Gaivota é o facto de tanto Treplev como Hamlet serem de algum modo traídos pelas próprias mães nos seus anseios e convicções, naquilo por que lutam afinal.
David Pereira Bastos procura apresentar o actor como aquele que é a sua personagem mais do que a representa. Terá possivelmente escolhido por isso duas das mais emblemáticas peças da Literatura Dramática Universal, dois exercícios indispensáveis a qualquer actor. O espectáculo implica portanto um conhecimento teatral prévio da parte do público de ambas as peças, da intenção das mesmas e daquilo em que simbolicamente se transformaram. Parece-me interessante a reflexão proposta, bem como o jogo dos actores com as personagens e os espaços que vão ocupando na constante transformação da cena noutra cena. No entanto, julgo que o espectáculo teria a ganhar se Shakespeare fosse representado em português, mesmo que a intenção de o fazer no original seja a de sublinhar o efeito do teatro encaixado. O texto original de Tchecov permitia uma exploração do debate sobre o próprio teatro que aqui sai diluída pela concentração no actor.

Os actores são de facto o ponto essencial da peça mas os textos que trabalham são fortes demais, importantes demais para se fundirem com aqueles actores em particular. Treplev, Nina, Hamlet, Gertrud são nossos, somos nós em algum momento do nosso caminho pessoal.
O enquadramento musical, a versatilidade do cenário, o próprio ambiente intimista do espaço da Casa Conveniente e as interpretações de Ana Ribeiro, Bernardo de Almeida, David Pereira Bastos, Miguel Raposo, Sílvia Figueiredo e Telmo Bento criam de facto teatro. Teatro como uma outra dimensão da nossa humanidade.

Quando For Grande Quero Ter Um Sonho

2009-06-21T19:16:00.008+01:00

Foi hoje apresentado, pelas 14.30 horas, no Clube Estefânia, o trabalho final do curso de expressão dramática ministrado por Yolanda Santos a crianças dos 6 aos 14 anos. Com texto escrito pela própria professora a partir de improvisações das crianças trabalhadas ao longo do ano, o espectáculo foi um pequeno momento de magia onde a Ana, a Constança, a Cristiana e Tomás se representavam a si mesmos e nos falavam dos seus sonhos, os a dormir e os acordados e até os de abóbora, dando-lhes cor e forma perante o nosso olhar encantado.
A sala cheia aplaudiu em força este espectáculo que nos faz acreditar sempre e cada vez mais na força mágica do teatro e na sua enorme vitalidade. O curso organizado pela Associação Ilha D’Arte dirigida por Mónica Leite continuará no próximo ano, estando desde já abertas as inscrições, com várias classes de acordo com o nível etário dos alunos.

Crítica - O Deus da Matança

2009-06-20T22:41:00.005+01:00

De Yasmina Reza. Versão de João Lourenço e Vera San Payo de Lemos, dramaturgia de Vera San Payo de Lemos, encenação de João Lourenço, cenário de António Casimiro e João Lourenço, figurinos de Maria Gonzaga, luz de Melim Teixeira, com Joana Seixas, Paulo Pires, Sérgio Praia e Sofia de Portugal.

Yasmina Reza faz humor para ser levada a sério. Nem sempre consegue. Em O Deus da Matança dois casais encontram-se para preencherem um formulário para uma seguradora sobre a agressão com um pau que o filho de um deles foi vítima por parte do outro a quem chamara bufo. A agressão fê-lo perder dois dentes, um deles definitivamente.
Tudo começa bem. São dois casais jovens, bonitos e sofisticados, um composto por uma gestora de contas e um advogado e o outro por um empresário no ramo dos componentes para casas de banho e uma escritora interessada no Dafur e nos dramas do Terceiro Mundo. Ambos os casais concordam que estas coisas acontecem, que o mal pode ser remediado e no “poder pacificador da cultura” mas, infelizmente, as coisas não são tão simples. A música tribal africana com que a peça abre, bem como as máscaras e esculturas de África que decoram a sala de estar onde tudo se passa remetem para uma simplicidade da existência mais profunda do que a sofisticação daqueles pais dá, de início, a entender. Um pouco mais de conversa, algum aprofundar das motivações dos dois miúdos, o modo como cada um encara a própria violência e as circunstâncias que a legitimam, as tensões conjugais mal contidas, o exagero de rum, os telefonemas sobre um medicamento perigoso vendido sem precauções por uma farmacêutica fazem explodir a crosta de civilidade que julgamos, quase sempre já ser parte de nós, e faz ainda transbordar as emoções espontâneas e verdadeiras e entre essas emoções, no topo delas, encontra-se a violência, o desejo de brutalizar, destruir e dominar tudo aquilo que de alguma forma nos é adverso ou nos coloca em perigo. Assim há agressões entre cônjuges, malas espalhadas, tulipas brancas massacradas, há um fim sem fim porque de longe se conseguiu resolver aquele conflito inicial.
As interpretações de Joana Seixas, Paulo Pires, Sérgio Praia e Sofia de Portugal são consistentes com o carácter das personagens a quem dão vida. Parece-me é, contudo, pouco coerente a construção no próprio texto da personagem de Verónica (Joana Seixas), demasiadamente sofisticada física e psicologicamente, demasiadamente bem vestida e interessada em questões intelectualmente superiores para ser a esposa dedicada e submissa e um vendedor de autoclismos, também não acreditei no casal Ana (Sofia de Portugal) e Alain (Paulo Pires). Um advogado de uma farmacêutica multinacional não anda aos mandos da mulher e não tem literalmente disponibilidade para tratar destes assuntos, tal como o seu filho dificilmente seria miúdo para andar a brincar sozinho na praça das redondezas. Talvez nos consigamos identificar, por vezes, com esta ou aquela emoção ou conflito das personagens mas não com a sua construção global. A ideia passa mas os exageros, o sublinhar a traço grosso do nível social ou da sofisticação ou dos jogos de poder tiram-lhes verosimilhança, credibilidade e fazem-nos, para desgosto da autora, a não levar o seu teatro tão a sério como gostaria. Inegável é contudo a riqueza que cada uma destas figuras constitui para um actor que numa única peça consegue passar todo o espectro dos estados de alma com momentos emocionalmente realmente fortes e outros hilariantes.
O guarda-roupa de Maria Gonzaga é belíssimo, e o cenário sugere bem uma sala classe-média alta permitindo uma versatilidade que acompanha os diferentes estados emocionais das personagens.

No tempo das outras senhoras...

2009-06-14T11:00:00.002+01:00

Crítica – Menina Else

2009-06-11T15:19:00.010+01:00

De Arthur Schnitzler. Tradução de José Maria Vieira Mendes; adaptação e encenação de Christine Laurent, interpretação de Rita Durão, música Tzigane Tango in Mi Buenos Aires Querido por Daniel Barenboim e Waldszenen, op.82, 1. Schumann por Maria João Pires. Teatro da Cornucópia de 28 de Maio a 21 de Junho de 2009.

Arthur Schnitzler (1862-1931), médico judeu austríaco, conseguiu na literatura o que Freud, de quem era amigo, sempre procurou comprovar pela ciência. Menina Else não pertence ao conjunto das peças de teatro escritas pelo autor, é antes uma novela onde assistimos como voyeurs ao steam of consciousness da protagonista, aqui adaptado ao teatro por Christine Laurent. Neste enorme e vibrante monólogo conseguimos satisfazer a perversidade da nossa curisidade entrando na corrente de pensamento de Else, uma jovem aristocrata de férias num hotel de Itália à beira-mar com a tia e primo e a quem os seus pedem que consiga, junto de um velho amigo da família, uma avultada soma em dinheiro que os salvaria da ruína, cobrindo as dívidas de jogo do seu pai. Dorsday aceita facilmente esse empréstimo com a condição de poder observar Else nua durante um quarto de hora. Else entra num turbilhão de pensamentos contraditórios, deseja salvar a família da ruína mas odeia-a por a sujeitarem a tal situação, deseja igualmente tornar-se perversa, deseja o poder que a sua beleza exerce sobre os homens, mas a exigência do negociante de arte repugna a menina que existe em si, a virgem que se quer resguardar. Entre a transgressão e o medo que o facto de nunca poder voltar atrás naquela decisão, Elsa entra num delírio onde imagina os diferentes cenários possíveis e as várias saídas ao seu alcance, e acaba por, num acto que nunca sabemos até que ponto foi impulsivo, até que ponto foi premeditado, satisfazer Dorsday e humilhá-lo simultaneamente num grand finale que nos deixa boquiabertos e que a arrebata.

Rita Durão é magistral na interpretação da multiplicidade do carácter desta jovem e das emoções contraditórias que a avassalam. O cenário mínimo, uma escada, um bengaleiro e um espelho sem espelho sobre uma cortina em tons de pérola nacarada, envolve a actriz numa aura evanescente que nos transporta também para o mundo interior da personagem. A acção é mínima, tudo é construído com palavras, à excepção do acto de desespero de Else, e esta força do que é dito é muito bem controlada por Rita Durão que joga com as entoações, os silêncios e as evocações, pensamentos, diálogos imaginários, articulados também com uma música que ganha um corporalidade no meio do jorro de pensamentos da protagonista.
Saímos do teatro com esse gosto apimentado na boca de quem conseguiu prazer sexual com a subjugação de outrem.

Crítica – Say It With Flowers

2009-05-30T18:11:00.002+01:00

Encenação de António Pires; tradução de Luísa Costa Gomes; interpretação de Graciano Dias, Francisco Tavares, Maya Booth, Miguel Moreira e Rita Brutt; música de Paulo Abelho e João Eleutério; coreografia de João Mendes Ribeiro. Dias 27, 29 e 30 de Maio e 04, 05 3 06 de Junho às 22.00 horas no Lux-Frágil.

Gertude Stein merecia melhor tratamento. Este espectáculo bilingue desiludiu-me completamente. A utilização da discoteca do Lux fazia supor um tratamento diferente do espaço da representação e, de facto, o uso do bar desta discoteca como gigantesco foyer foi um início auspicioso para um espectáculo que não conseguiu rentabilizar os recursos de que dispunha.
O espectáculo desenrolou-se sobre um palco montado na discoteca tal e qual como se poderia desenrolar em qualquer pequeno teatro improvisado, com o prejuízo acrescido de nos termos de sentar desconfortavelmente nos famosos colchões moloflex do Lux especialmente concebidos para ninguém ficar demasiado tempo sentado, ironia das ironias. O espectáculo beneficiou sim da acústica que a instalação de som permitiu e que deu o protagonismo à música de Paulo Abelho e João Eleutério, mas não consegui perceber de todo qual o objectivo das coreografias naïfe e do guarda-roupa com cores do arco-íris.
Só quinze minutos depois de ouvir o actor repetir à exaustão “Say it With Flowers – a Play” compreendi que se procurava brincar com a musicalidade das palavras, tentativa que continuou ao longo do espectáculo, oscilando entre o português e o inglês, como pedaços de narrativa e o sonoro nome das personagens. Mas a prosa não é poesia, nem as didascálias são música. O inglês perfeito dos actores era atraente mas pouco produtivo. A ausência de um fio narrativo coerente, que segundo o encenador procurava levar cada a espectador a ver um espectáculo diferente e a construir a história ao seu modo, revelou-se caótico e transformou as personagens em meros clowns ingleses saltitões. Não consegui construir qualquer sentido, nem me senti transportada para nenhuma dimensão sonora das palavras. Tenho de reconhecer que houve alguns momentos de alguma beleza plástica mas de um modo geral a sensação com que ficamos é que este espectáculo tinha tudo para conseguir uma concretização muito superior.

Repto

2009-05-27T10:26:00.003+01:00

Respondendo ao desafio que me foi lançado pelo Álvaro de eleger as melhores séries de sempre, e sem querer parafrasear o Vítor, tenho que sublinhar que longe vão os anos em que tinha tempo para ver mais de 10 minutos de televisão seguidos. Também não sei se estas serão as melhores séries de TV da eternidade mas são, sem dúvida, aquelas que mais me marcaram enquanto espectadora regular.

Seguindo apenas a ordem da minha memória cá vai a lista:

Fame

Twin Peaks

Hill Steet Blues

Espaço 1999

Battlestar Galactica

Família Bellamy

Uma casa na pradaria

Simpsons

Lanço agora o desafio ao Bruno César Rodrigues, ao Ricardo Marques e ao Bruno Pereira.

Submissão

2009-05-24T13:54:00.002+01:00

Deixo aqui para satisfazer a curiosidade do Tiago r as mais polémicas fotografias de Robert Mapplethorpe. Tiradas em 1977 e intituladas Jim & Tom, este conjunto de fotos mostra-nos um homem a urinar na boca de outro.

Dicionário de Cinema para Snobs

2009-05-17T18:00:00.004+01:00

David Kamp e Lawrence Levi, Dicionário de Cinema para Snobs. Lisboa: Edições tinta-da-china, 2009. 144 pp.

Este fresquíssimo dicionário foi publicado originalmente em 2006 para, com ironia, responder à explosão de experts em cinema que o VHS, o DVD, a internet, nomeadamente os blogs de cinema e os downloads piratas de filmes, e a proliferação de salas de cinema pelo mundo trouxe.
De acordo com Pedro Mexia, que assina a Apresentação, existem dois tipos de snobs do cinema, o cinéfilo clássico e o novo cinéfilo “arrogante e ensimesmado, é o estereótipo do intelectual na sua declinação cinéfila”. Este é um snob populista que adora o cinema de massas para intelectuais.
Num momento em que o espaço para a crítica de cinema, bem como das restantes artes, nos meios de comunicação canónicos esta a ser drasticamente reduzido na mesma proporção em que surgem críticos amadores (em ambos os sentidos da palavras) de cinema, em blogs singulares ou colectivos, grupo no qual me inscrevo, subvertendo complemente a crítica tradicional pois as suas referências são na maioria dos casos recentes e autodidactas e o seu objectivo, não remunerado, é ser lido pelo maior número de pessoas possível sem os constrangimentos da crítica profissional, esta obra surge como uma pertinente charge ao momento que vivemos.
Para além das entradas do Dicionário onde os autores procuram separar o trigo do joio na cultura cinéfila essencial, surgem ao longo da obra sistematizações do conhecimento como esta que a seguir transcrevo:

«Quanto Mais se Vê, Melhor É»
Como distinguir as Boas Coisas Snobs da Porcaria

Apesar de se orgulharem de ter um gosto extremamente afinado, os Cinéfilos Snobs são também criaturas perversas capazes de elogiar perdidamente alguns trabalhos de chapa mais flagrante, a que os próprios realizadores não ligam puto («É isso que os torna tão brilhantes, tão audaciosos!»). Por vezes, os Snobs iludem-se e convencem-se de que aquele estrume cinematográfico, ao qual dedicaram horas sem fim e webzines pagas do seu próprio bolso, tem algum significado cultural digno de uma dissertação doutoral e impossível de ser apreendido pelos fãs de Tom Cruise. Segue-se um guia do consumidor para uma Snobeira fidedigna.

Dez Causas Célebres dos Snobs que Valem a Pena

Robert Aldrich
John Cassavetes
Manny Farber
Freaks
Nouvelle Vague
Expressionismo Alemão
Guy Maddin
Sam Peckinpah
Spaghetti Westerns
Wire-fu

Dez Causas Célebres dos Snobs que São Fraudulentas

O Império dos Sentidos
Maya Deren
Dogma 95
Robert Downey Sr.
Peter Greenaway
L’Atlante
Tom Laughlin
Filmes de luta livre mexicana
O Insustentável Peso do Trabalho
Filmes de mulheres-na-prisão

pp.84-85

Um Eléctrico Chamado Desejo e outras peças, Tenessee Williams

2009-05-10T19:47:00.003+01:00

A Relógio D’Água acabou de lançar, para meu deleite, quatro peças de Tenessee Williams a saber, Gata em Telhado de Zinco Quente, Subitamente, no Verão Passado, Verão e Fumo e Um Electrico Chamado Desejo.
Gosto particularmente deste autor pelo medo como cada fala das suas peças vibra como se de um corda de violino em tensão se tratasse, como está em questão a cada momento sendo a linguagem, ainda assim, muito simples. O erotismo controlado mas prestes a explodir de diferentes personagens (Blanche de Um Eléctrico Chamado Desejo; Maggie, the Cat de Gata em Telhado de Zinco Quente), a homossexualidade perversa (de Sebastian em Subitamente, no Verão Passado ou de Brick em Gata em Telhado de Zinco Quente), a miragem da insanidade(de Catharine em Subitamente, no Verão Passado ou, de novo, de Blanche de Um Eléctrico Chamado Desejo) são temas sempre presentes na obra deste autor retirados directamente da sua vida. O modo como os aborda é de tal modo directo, tão incontornável que nos sentimos realmente questinados na nossa essência como se, de algum modo, também nós não conseguíssemos esconder por mais tempo que tudo isso já foi por nós sentido.
Tenessee Williams, Um Electrico Chamado Desejo e outras peças. Tradução de Helena Briga Nogueira. Lisboa: Relógio D’Água, 2009. 360 pp.

Revolutionary Road, o livro

2009-05-02T21:25:00.001+01:00

Acabei há pouco de ler este livro. Por uma vez foi o visionamento do filme que me levou a comprar o livro. Não me apetece discorrer sobre a superioridade de um em relação ao outro por que acho esse tipo de discussão um pouco sem sentido.
Gostei do livro. Gostei do livro porque tem personagens tão complexas, tão elaboradas, com refinamentos emocionais de tal ordem que parecem reais. April Wheeler vive sufocada na sua vida pacata de dona de casa do subúrbio convencional americano, preenchendo todos os requisitos de uma mulher de classe média bem casada. Mas essa felicidade tão almejada por tantos, nomeadamente por Shep Campbell com quem trai o marido ou pela empregada de escritório Maureen com quem o marido a trai a ela, é demasiado redutora, impede-a de se expressar livremente e de se desenvolver enquanto pessoa individual e não apenas em função do marido ou dos filhos, a quem se dedicou a tempo inteiro. April sonha continuar a sua frustrada carreira de actriz, e numa tentativa de conciliar os sonhos que a mantém viva com a realidade que a cerca mas com que pouco se identifica, convence o marido a mudar-se com ela para Paris e onde ele poderia gastar todo o tempo do mundo a pesquisar aquilo que gostaria mesmo de fazer. Passam meses a planear a viagem, a adaptarem-se a essa nova realidade e a fazerem as alterações necessárias na sua vida, até que uma terceira gravidez inesperada de April põe fim a tudo. Isto até April decidir pôr ela própria fim à gravidez num acto que acaba por a matar também.
Como é tão difícil não nos identificarmos nem que seja por um momento com um dos elementos do casal, na redução da sua juventude que os estereótipos que pretendem preencher lhes impõe, na prostituição dos seus sonhos. Como é difícil não reflectirmos sobre as diferenças entre os sexos no modo como cada um dos membros do casal reagiu à traição e os motivos que os levaram a cometê-la, ou na dureza da vida das mulheres independentemente do seu nível social ou zona geográfica onde habitam. Não podemos também deixar de pensar que uma não antes desta obra ser publicada – Revolutionay Road foi dada à estampa pela primeira vez em 1961 – a pílula foi aprovada como contraceptivo nos EUA revolucionando a sexualidade e a maternidade que passou a ser um acto muito mais consciente. E que, algumas décadas mais tarde, o aborto passou a ser legal poupando muitas vidas.
Ainda assim os sentimentos de April Wheeler tocam-nos, já os sentimos por esta ou aquela razão. A maternidade não se tornou mais fácil, muito pelo contrário, apesar de todas as invenções e as relações nunca foram tão efémeras e conturbadas como actualmente.

Crítica – Menina Júlia de August Strindberg

2009-04-26T20:07:00.001+01:00

Tradução de Augusto Sobral; Encenação de Rui Mendes; com Beatriz Batarda, Albano Jerónimo e Isabel Abreu, na sala Garrett no Teatro Nacional D. Maria II.

Menina Júlia é um texto subversivo mas tragicamente verosímil. Neste peça Strindberg associa aos jogos de poder inerentes ao enamoramento os jogos de poder entre classes sociais. A jovem filha do conde, a Menina Júlia (Beatriz Batarda), entusiasmada pela noite de S. João, despeitada pelo fim do seu noivado, livre do jugo paterno e atraída pelo criado tenta seduzi-lo e dominá-lo, associando nesse jogo a sua puerilidade à prepotência, mas entre presas e predadores acaba por ser ela a dominada ao consumar essa atracção no quarto de criado sendo ouvida pelo restante pessoal que a injuria. Nos diálogos que antecedem a consumação do acto e nos que se lhe seguem é de uma luta de classes que se trata nesta sedução. Júlia, ingénua e tola, julga os empregados seres destruídos dos mesmos sentimentos que os patrões e perfeitamente resignados à obediência, já João (Albano Jerónimo) rejeita a submissão, sonha alto, deseja ser conde e não sente a diferença social como prejudicial para si mesmo mas antes para a patroa que desceu do seu pedestal. A condenação de Júlia e de João é feita de forma duríssima pela sensata Cristina (Isabel Abreu), noiva de João, que considera a subversão total das hierarquias o que aconteceu no quarto do noivo e julga louca a patroa quando esta nos seus delírios a tenta convencer a segui-los na sua fuga e a trabalhar como cozinheira para ambos. Depois de consideradas todas as hipóteses d e fuga à ignomínia, João convence friamente Júlia a suicidar-se, como forma de salvar a sua honra ao que esta estúpida e prontamente obedece.
A peça de uma notável densidade dramática assenta numa profunda construção psicológica dos protagonistas, tão perfeita que nos parecem familiares, e nos tensos diálogos onde se jogam forças em conflito. Desenrolando-se numa leitosa cozinha nórdica concebida por Manuel Amado, a peça vive dos jogos de luz que nos mostram não só os vários momentos do dia mas também as emoções que ressaltam. O guarda-roupa é belíssimo e absolutamente perfeito, sobressaindo no branco da cozinha. À esquerda uma passagem conduz ao quarto de Cristina e à direita ao de João, ao fundo as portas dão para o jardim onde se dá o baile de S. João e ao fundo à direita uma escada conduz ao piso superior. Estas entradas e saídas permitem as mudanças de cena e a sugestão de outros espaços onde também acontecem coisas, como quarto de João.
Excelente encenação de Rui Mendes, à qual faltou, no entanto, uma forte dose de química entre Beatriz Batarda e Albano Jerónimo exigida pela situação e que tornou toda a sedução pouco credível.
A peça estará em cena até dia 24 de Maio na sala Garrett do Teatro Nacional D. Maria II.

Crítica - Control (2007)

2009-04-18T20:01:00.001+01:00

De Anton Corbijn
Com Sam Riley, Samantha Morton, Alexandra Maria Lara

Em 2007 o fotógrafo holandês Anton Corbijn trouxe de novo para a ribalta a banda britânica Joy Division extinta abruptamente em 1980. Esta homenagem à música que mais o marcou na juventude conta-nos, baseando-se na biografia escrita pela sua viúva, alguns pormenores da vida de Ian Curtis (Sam Riley), o vocalista da banda. Ian vivia atormentado, por um lado, pela força da música fantástica que conseguia compor e interpretar e que dominou toda a sua vida, por outro, pela luta desumana que tinha de travar contra a epilepsia num ambiente completamento adverso ao contolo desta doença como é o dos concertos electrizantes, das tournées, da pressão por um desempenho cada vez melhor. Ian Curtis não correspondia propriamente ao perfil de uma estrela rock, casou-se muito cedo com uma das suas primeiras namoradas de quem teve uma filha, Natalie, e tinha um estável e aborrecido emprego na entediante Macclesfield, Manchester, no entanto o talento genial para a música vivia dentro de si e depois de um histórico concerto dos Sex Pistols em Manchester conheceu uma jovem banda que procurava um vocalista, logo se formaram os Warsow mais tarde Joy Division, nome de um bordel frequentado por soldados alemães na II Guerra Mundial. O timbre baixo-barítono de Curtis, aliado à singular forma de dançar que lembrava os seus ataques epilépticos, e a magia das suas músicas fez deste cantor uma das maiores promessas do panorama musical britânico do final dos anos 70. No entanto, Curtis não tinha nem a mentalidade nem a estrutura emocional para suportar o tipo de vida que escolheu para si. Em breve, se cansa da mulher e se apaixona por uma jornalista belga, Annik Honoré (Alexandra Maria Lara) que em nada se importou de fazer o papel de amante e de o seguir para todo o lado. O sentido de dever de Curtis e a sua necessidade de estabelecer âncoras emocionais levaram-no a não querer o divórcio e a desejar manter as duas relações em simultâneo. Em 1980, com apenas 23 anos e nas vésperas de uma tournée pelos Estados Unidos que os catapultariam internacionalmente, Ian Curtis suicidou-se na sua própria casa. Pouco tempo depois, os restantes elementos da banda refizeram-se num novo agrupamento, os New Order, ainda hoje activos.
O facto de Corbijn ser fotógrafo criou no filme, rodado a preto e brinco, sucessões incríveis de imagens fabulosas enquadradas na música contagiante dos Joy Division. Sam Riley faz um marcante trabalho de actor, interpretando cada gesto de Curtis, cada movimentação corporal com absoluta perfeição. As semelhanças físicas entre ambos também reforçam a verosimilhança da sua interpretação. Samantha Morton constrói uma figura apagada mas forte na sua resistência e na luta que trava para conservar o casamento.
Este é mais um filme que nos faz pensar na máquina de negócios que vai triturando sistematicamente pessoas talentosas para conseguir os seus objectivos. Embora os motivos imediatos que levaram IAn Curtis a suicidar-se não serem ainda hoje conhecidos, toda a estrutura que lhe exigia um desempenho cada vez melhor, mais resistente, que não se apiedava da doença terrível com que ele tinha de viver, a amante que, ainda que gostasse dele, nada se preocupava com a sua estabilidade emocional necessária ao controlo da doença, o peso da responsabilidade de ter uma família, e em última análise o facto de todos estarem demasiado ocupados com outras coisas para se aperceberem do seu sofrimento interior são os responsáveis directos pela sua morte. Não podemos deixar de nos lembrar de todos os outros jovens músicos que morreram ou estão gravemente debilitados por causa deste sistema, só como exemplo lembro Kurt Corbain e Amy Winehouse.
Classificação 5 em 5 estrelas

Last Days (2005)

2009-04-13T19:58:00.002+01:00

De Gus Van Sant
Com Michael Pitt, Lukas Haas, Asia Argento

A precoce e evitável morte de Kurt Cobain motivou esta homenagem de Van Sant. Em Last Days acompanhamos os últimos dias de vida de Blake (Michael Pitt) com um sentimento de revolta e impotência por sabermos o que vai acontecer mas não conseguirmos evitá-lo. Um pouco o que todos sentimos ao sabermos que Cobain se suicidou.
O filme transmite uma enorme sensação de solidão, uma solidão tão grande que cria um muro à volta de Blake que ninguém consegue transpor, apesar de ficarmos com a sensação que ninguém se esforçou realmente para o fazer. Fugido de uma clínica de reabilitação, o vocalista de uma banda rock esconde-se num castelo onde os restantes elementos da banda estavam hospedados. Aí, no meio da floresta, Blake droga-se e isola-se do mundo real, como se a sua sensibilidade o tornasse incapaz de lidar com a máquina promocional em que está inserido e com a própria música que vivia dentro da sua cabeça. Apesar de haver outras pessoas na casa, praticamente não existem diálogos no filme pois os seus amigos estão também eles afundados na desorientação que aquele mundo grande demais para eles lhes trouxe. Um amigo, um contacto na vila mais próxima e a sua própria mãe tentam dar-lhe a mãe mas não conseguem. Michael Pitt interpreta com realismo os lentos e esforçadíssimos movimentos de uma pessoa completamente drogada. A necessidade da transcendência é dada pela intervenção de dois Hélderes mas é como se o próprio Deus não conseguisse ali entrar. Travestindo-se, despindo-se, vestindo-se, drogando-se, a personagem principal deixa-se arrastar pelo desfiladeiro de quem não consegue gerir o que sente nem controlar a sua própria vida.
Este pode não ser um filme candidatável aos Óscares, e não o é de facto, mas é uma evocação muito interessante do fim de um dos maiores cantores de rock da década de 90 e um forte acordar de consciências para as tragédias interiores que podem acontecer mesmo ao nosso lado e para as quais nem sempre estamos despertos.

Classificação 4 em 5 estrelas

EASTER

2009-04-09T16:19:00.004+01:00

Easter Sunday we were walking
Easter Sunday we were talking
Isabelle, my little one
Take my hand time has come

Isabella, all is glowing
Isabella, all is knowing
And my heart, Isabella
And my head, Isabella

Frederic and Vitalie
Saviro dwells inside of thee
Oh, the path leads to the Sun
Brother sister time has come

Isabella, all is glowing
Isabella, all is knowing
Isabella, we are dying
Isabella, we are rising

I am the spring the holy ground
I am the seed of mystery
The thorn the veil the face of grace
The brazen image the thief of sleep
The ambassador of dreams
The prince of peace
I am the sword the wound the stain
Scorned transfigured child of Cain
I rend I end I returned again
I am the salt the bitter laugh
I am the gas in a womb of light
The evening star the ball of sight
That bleeds that sheds the tears of Christ
Dying and drying as I rise tonight

Isabella, we are rising
Isabella, we are rising

Patty Smith

Odd Nerdrum

2009-04-06T12:15:00.003+01:00

Crítica – Happy-go-Lucky (2008)

2009-04-01T21:49:00.007+01:00

De Mike Leigh
Com Sally Hawkins, Alexis Zergerman, Eddie Marsan

Eis finalmente um filme que, sem ser pretensiosamente intelectual nem de um romantismo enjoativo, consegue conciliar humor, amor e reflexão sobre a vida.
A intriga é quase banal. Poppy (Sally Hawkins) é a personagem principal, uma figura singular pela maneira positiva com que enfrenta o quotidiano e pelas inacreditáveis botas que calça sempre. A sua vida é aparentemente corriqueira. Divide o apartamento com uma amiga de longa data com quem se dá muito bem, é professora primária, embebeda-se quando sai com as amigas, dá-se mal com uma das irmãs e bem com a outra e tem aulas de flamenco. Não sabe conduzir mas decide aprender só que, como também nos acontece, o seu instrutor, Scott (Eddie Marsan ) é também ele uma figura bizarra que se fixa nela e a responsabiliza pelos seus sentimentos, tornando-se violento e demonstrado ser completamente desequilibrado. Entretanto conhece um rapaz jeitoso e começa a namorar com ele.

Só que esta história quase desinteressante tem na base uma reflexão profunda sobre o modo como a nossa reacção à realidade a transforma, como o azar e a sorte são apenas opiniões sobre as coisas. Poppy encara sempre pela positiva as contrariedades e nisso ela não é como nós. Ela acredita que é assim, que a vida é como a fazemos. A banal professora viajou pelo extremo oriente com a amiga Zoe (Alexis Zergerman) e foi professora nessas terras longínquas. Optou por viver a sua própria vida em vez de se acomodar num casamento, ou talvez tenha sido a vida que assim quis, mas não se inibe quando conhece um homem giro porque sabe que é assim. A sua atitude torná-la-ia por vezes numa pateta não fosse a capacidade que demonstra nos momentos mais difíceis de atenuar as situações.
Inesquecíveis são, neste filme, antes de mais a interpretação de Sally Hawkins, o modo perfeitamente natural com que ela se coloca nas situações e faz as coisas mais inusitadas, mantendo sempre um sorriso quase ingénuo em segundo lugar o seu guarda-roupa completamente extravagante mas que lhe assenta como uma luva. É um filme que merece ser visto e saboreado.
Classificação 4 em 5 estrelas

UM ANO

2009-03-27T00:05:00.001Z

O melhor video do youtube - Dark Eyes

2009-03-24T21:00:00.000Z

Crítica – Marley & Me (2008)

2009-03-22T17:22:00.004Z

De David Frankel
Com Owen Wilson, Jennifer Aniston e ainda Woodson, Jonah e Clyde

Marley & Me seria o protótipo de filmes que deixaríamos para ver ao fim-de-semana à tarde na televisão, não fosse ele uma bem conseguida adaptação do best-seller homónimo de John Grogan.
O argumento conta-nos a história de John Grogan (Owen Wilson) e das diferentes fases da sua vida, o casamento, o nascimento dos filhos, a mudança de emprego e do seu fiel companheiro em todos estes passos, o fora do vulgar Labrador, Marley, até ao momento da sua morte.

Para além dos momentos divertidos com o cão (interpretado em bebe por Woodson, depois por Jonah e na velhice por Clyde), a que nos habituámos pelo menos desde Lassie, este filme consegue de facto transmitir o amor que, aqueles que vivem com animais, vão nutrindo pelos seus companheiros de quatro patas. Gostei também do modo como a família é apresentada, as tensões geradas o período extraordinariamente exigente para os pais do nascimento dos filhos e dos seus primeiros anos, as guerras, o afecto. Gostei ainda do modo como se compara uma vida sacrificada à família com a existência livre e mulherenga do jornalista Sebastian (Eric Dane) sem se adjectivar nenhuma das duas, aceitando-as apenas como opções diferentes de vida (quantos de nós que escolhemos a família e por ela abdicámos de tanta coisa não damos por nós a invejar aqueles que não têm a seu cargo mais ninguém a não ser eles próprios e se permitem assim todas as liberdades).
Assim, apesar da leveza aparente, este filme tem momentos que nos conduzem a uma reflexão mais profunda sobre as nossas próprias vidas. A qualidade do filme é reforçada pela sempre contagiante interpretação de Jennifer Aniston.

Classificação 4 em 5 estrelas

Revolutionary Road

2009-03-15T15:26:00.002Z

A propósito da declaração de April de induzir ela própria um aborto em casa:

«E a discussão prolongou-se pela noite toda. Fê-los cuspir e discutir e deitar uma cadeira abaixo, numa briga que se derramou para o lado de fora, pela escada abaixo e até à rua ("Afasta-te de mim!"), que os arrastou a tremer contra a cerca alta de arame de uma lixeira ribeirinha, até um bêbado ribeirinho se vir pôr a olhar para eles e os fazer voltar para casa a cambalear, e ele conseguia sentir o pânico e a vergonha daquilo até mesmo agora, aqui encostado contra esta árvore com estes mosquitos a fazer-lhe cócegas no pescoço. Tudo o que o tinha salvado, tudo o que lhe permitia agora baixar-se e levantar uma pedra nova da sua base e seguir o seu rebolar surdo com o passo regular e digno do respeito próprio, era o facto de ele ter ganhado no dia seguinte. No dia seguinte, a chorar nos braços dele, ela tinha-se deixado dissuadir.

- Oh, eu sei, eu sei - tinha ela sussurrado contra a sua camisa. - Eu sei que tens razão. Desculpa. Eu amo-te. Vamos chamar-lhe Frank e vamos mandá-lo para a faculdade e tudo. Eu prometo, prometo.

E parecia-lhe agora que nenhum outro momento da vida dele alguma vez tinha contido uma prova melhor da masculinidade do que esse, se é que era necessária alguma prova: abraçar aquela rapariga amansada e submissa e dizer "oh minha querida, oh minha querida", enquanto ela prometia que iria ter o filho dele. A tropeçar e a cambalear sob o peso da pedra ao sol, largando-a por fim e a limpar as suas mãos doridas, ele pegou na pá e lançou-se ao trabalho outra vez, enquanto as vozes das crianças guinchavam e trinavam à volta dele, tão insidiosamente atazanantes como os mosquitos.

" E eu nem sequer queria um bebé"., pensou ele ao ritmo das pazadas. "Não é uma coisa lixada? Eu não queria um bebé, tal como ela". Não era verdade, então, que tudo na vida dele, a partir dessa altura, tinha sido uma sucessão de coisas que ele não queria realmente fazer? Ao aceitar um trabalho absolutamente chato para provar que conseguia ser tão responsável como qualquer outro homem de família, ao mudar-se para um apartamento distinto e demasiado caro para provar a sua crença madura nos fundamentos da ordem e do bem-estar, ao ter outro filho para provar que o primeiro não tinha sido um erro, ao comprar uma casa no campo porque isso era o próximo passo lógico ele tinha que provar a si mesmo que era capaz de o dar. Provar, provar; e não havia outra razão para além dessa para ele se ter casado com uma mulher que de alguma maneira tinha conseguido pô-lo para sempre na defensiva, que o amava quando ele era bonzinho, que vivia de acordo com aquilo que lhe dava na gana e que a qualquer altura do dia ou da noite lhe podia dar na gana deixá-lo. Era tão divertido e tão simples como isso.»

E não mesmo disso que se trata?

Patti Smith

2009-03-13T21:18:00.002Z

A propósito de Dream of Life, o filme-documentário estreado há pouco.

Veja a crítica aqui

Crítica – Milk (2008)

2009-03-07T17:39:00.003Z

De Gus Van Sant
Com Sean Penn, Josh Brolin, Alison Pill

Milk é a história verídica, e só por isso absolutamente fantástica, do político Harvey Milk (Sean Penn) que, depois de quarenta anos de submissão ao sistema num emprego que não lhe permitia exteriorizar-se ou assumir a s suas opções sexuais, optou por se mudar com o namorado para S. Francisco onde, a partir de pequenos confrontos com a comunidade staight da cidade vai progressivamente ganhando notoriedade entre os gays e um, cada vez maior, protagonismo político até ao dia em que é cruelmente assassinado por um colega invejoso, Dan White (Josh Brolin) que nunca veio a pagar devidamente pelo seu crime a não ser quando anos mais tarde se decide suicidar.

O filme vale por três aspectos. O primeiro é a absolutamente notável interpretação de Sean Penn. Ele capta sem preconceitos todos os maneirismos de um gay ao mesmo tempo efeminado e viril no seu combate político, envolve-se nas cenas sexuais e no ambiente promíscuo e emocionalmente exacerbado das relações que Harvey manteve ao longo da vida. O segundo aspecto é a extraordinária recriação do ambiente da época, da Castro, nos cenários, guarda-roupa, caracterização das personagens que, importa salientar, so muito semelhantes aos seus referentes reais. Por fim, o argumento e o processo narrativo escolhido em que Harvey recorda toda a sua vida antecipando o assassínio de que viria a ser vítima, centrado mais na luta civil e política e no activismo em prol do reconhecimento dos direitos dos gays do que no desenvolvimento de grandes raciocínios sobre as características emocionais da figura é bastante interessante e uma grande forma de homenagear um homem que tanto fez para lutar contra a hipocrisia social e que foi tão cruelmente assassinado.
Este filme arrecadou os Óscares de Melhor Actor Principal (Sean Penn) e Melhor Argumento Original (Dustin Lance Black).

Classificação 5 em 5 estrelas

Crítica – Slumdog Millionaire (2008)

2009-02-26T19:42:00.002Z

De Danny Boyle e Loveleen Tandar
Com Dev Patel, Freida Pinto, Madhur Mittal

Este filme é uma engraçada tentativa de conferir profundidade hollywoodesca ao formato Bollywood. Como já se sabe, aqui Jamal (Dev Patel) e Salim (Madhur Mittal) são dois meninos de uma bairro de lata que, habituados a sobreviver na adversidade desde muito pequenos, se organizam depois de verem a mãe ser assassinada num ataque religioso. E conseguem viver até serem recrutados por um bandido que explorava brigadas de menores pedintes. Com eles foi recrutada também uma menina, Latika (Freida Pinto) por quem o pequenino Jamal se apaixona. Ao perceber as atrocidades que eram cometidas naquele campo de meninos pedintes e para salvar o irmão, Salim foge trazendo Jamal consigo. Só Latika é apanhada durante a fuga. Com opções de vida diferentes, os irmãos vão crescendo e regressam à sua cidade para resgatar Latika. O que conseguem fazer, quando descobrem que esta continuava a ser explorada e caminhava para ser introduzida na prostituição. Mas Salim já não respeita ninguém e tira-a a Jamal ficando com ela para si. Jamal é abandonado e reencontra o irmão, anos mais tarde, transformado já num perigoso bandido. Latika é então a amante de um famoso cabecilha para quem Salim também trabalha. Jamal tenta resgatá-la, sem êxito, o que a vai colocar numa situação ainda pior. Tudo isto é lembrado por Jamal na esquadra da polícia onde está ser torturado para explicar como consegue acertar todas as questões do concurso Quem quer ser Milionário? sendo ele um mero preparador de chá vindo das ruas de Mumbai. Cada flash-back explica uma das respostas como se o destino e a sua obstinação o tivessem conduzido aquele momento em que tudo o que passou serviu para alguma coisa.
Embora não tenha aderido minimamente a todo este argumento completamente inverosímil, tenho de confessar que o filme me manteve agarrada à cadeira todo o tempo. Para além disto, a interpretação de Dev Patel, a bando sonora e a fotografia são mesmo muito boas. Chamo a atenção também para o genérico final onde essa aproximação a Bollywood e ao formato musical dos seus filmes é feita. Não ficou totalmente claro para mim onde é que se queria chegar com este argumento tão inusitado. Talvez ao facto de haver muita coisa na vida que não controlamos mas que devemos saber aproveitar ou ao enaltecimento da coragem de lutar pelo que se quer, ou ao pretexto para mostrar um mundo que o Ocidente não conhece embora nele entre com grande força.
Classificação 5 em 5 estrelas

Crítica – Sentido Portátil (A partir de História Abreviada da Literatura Portátil de Enrique Vila-Matas)

2009-02-24T16:11:00.002Z

Encenação Carla Bolito; Adaptação Carla Bolito e Ricardo Faria; com Diogo Bento, Rita Calçada Bastos e Tiago Mateus.

Este é o tipo de teatro que não me diz nada. O público não é frequentador assíduo do teatro feito em Portugal e o espectáculo peca por uma exagerada necessidade de exibição de recursos em detrimento da construção de uma energia que nos toque.
A história fala-nos de forma fragmentada dos shandys, artistas de um arte portátil que cabe facilmente numa mala. Mala que transportam consigo nas suas viagens que são recolocações de si mesmos perante a realidade. Para ser membro desta sociedade secreta os artistas precisavam apenas de ter uma obra capaz de caber numa mala e de serem solteiros e consequentemente livres para se movimentarem. Nesta adaptação da obra do espanhol Vila-Matas encontramos artistas como Marcel Duchamp, Jacques Rigaut, Tristan Tzara, Scott Fitzgerald, Picabia, Ramon Gomez de LA Serna, Aleister Crowley, Georgia O’Keef, entre outros. É de salientar a interpretação que Rita Calçada Bastos faz da sensualidade exuberante de Georgia O’Keef, sensualidade que era uma característica destes artistas.
Os vários espaços são-nos sugeridos pelo cenário desmontável e adereços tipo matrioskas onde cabem inúmeras coisas umas dentro das outras. A sala de ensaios do CCB é um espaço agradável e permitiu um trabalho coordenado. Mas não consegui aderir à proposta. Não senti uma corrente de energia a passar para o público. A sucessão de cenas mais ou menos fragmentadas quebra a corrente narrativa e, como já disse, a permanente utilização dos recursos cénicos parece mais ma exibição de meios do que uma mais-valia cénica.
O espectáculo esta em cena na sala de ensaios do CCB de 21 a 24 de Fevereiro, dias 21, 23 e 24 às 21h e dia 22 às 19h. O bilhete normal custa 10 euros.